キューバの芸術

キューバの芸術は、島の多様な人口構成を反映して、北米、南米、ヨーロッパ、アフリカの要素が極めて多様化した文化的融合である。キューバの芸術家たちはヨーロッパのモダニズムを受け入れ、20世紀初頭には、近代芸術のジャンルの混合を特徴とするキューバの前衛芸術運動が成長した。20世紀の著名なキューバの芸術家としては、一連の壁画プロジェクトで最もよく知られるアメリア・ペラエス（1896年 - 1968年）や、近代プリミティヴィズムの非常に個人的なバージョンを生み出した画家ウィフレド・ラム（1902年12月8日 - 1982年9月11日）がいる。キューバ生まれの画家フェデリコ・ベルトラン・マセス（1885年 - 1949年）は色彩派の画家として有名で、その魅惑的な女性描写には、幼少時代の熱帯の環境があからさまに言及することもあった。

セントロ・ハバナでは、アーティストたちの小さなコミュニティが周囲の壁を改造しました。2002年10月

国際的によく知られているのは写真家アルベルト・コルダの作品で、彼がキューバ革命の初期に撮影した写真の中には、20世紀で最もよく知られたイメージの1つとなるチェ・ゲバラの写真 が含まれていました。

ラテンアメリカの芸術家ホセ・グアダルーペ・ポサダや壁画家ディエゴ・リベラの影響を受けたストリートアート運動が盛んに行われている。

1959年のキューバ革命後、一部のアーティストはキューバを離れ、創作活動を行うことが自らの利益になると考えた。一方、キューバ政府の支援を受けながら創作活動を続けることに満足し、あるいはただ満足してキューバに留まったアーティストもいた。国家の支援を受けていたため、暗黙の検閲が行われた。アーティストたちは革命運動が資金源であったため、革命運動に反する作品を制作したがらなかったのだ。芸術が真に影響を受けていない表現を反映し始めたのは1980年代に入ってからであった。キューバ芸術における表現の「復活」は、革命を直接記憶していない新世代のキューバ人の台頭に大きく影響された。[ 1 ]

1981年、キューバでは現代キューバ人アーティストによる個展シリーズ「Volumen Uno」が開催されました。3年後には「ハバナ・ビエンナーレ」が開催され、芸術と言論の自由のさらなる発展に貢献しました。[ 2 ]

植民地時代

スペイン統治下にあった400年間の大半を通じて、キューバ、特にハバナは、スペイン帝国のアメリカ大陸における主要な貿易拠点として機能し、商人、行政官、そして芸術支援に関心を持つ専門家が多数居住していました。16世紀には、ヨーロッパから画家や彫刻家がキューバの教会や公共の建物の装飾のためにやって来るようになりました。1700年代半ばには、ヨーロッパの伝統を受け継ぐキューバ生まれの芸術家たちが活躍していました。[ 3 ] [ 4 ]

イェヨ・イェヨ、ホセ・ニコラス・デ・エスカレラ、ca. 1770年。ハバナ国立美術館のコレクション。

こうした画家たちの中で、最初にまとまった、識別可能な作品群を残したのは、ホセ・ニコラス・デ・ラ・エスカレラ（1734年 - 1804年）です。彼の宗教画、特にハバナ近郊のサンタ・マリア・デル・ロサリオ教会のクーポラと祭壇を飾る作品は、独創性に欠けるものの、壮観で、キューバの黒人奴隷を描いた最初の美術作品も含まれています。[ 5 ] [ 3 ]

ビセンテ・エスコバル（1762年 - 1834年）は混血の出身で、肖像画家としての才能でキューバのエリート層から人気を博した。[ 6 ]自身は正式な美術教育を受けていなかったものの、おそらくキューバ初の絵画工房・スタジオを開き、後にマドリードの王立サン・フェルナンド美術アカデミーを優秀な成績で卒業した。彼の肖像画はヨーロッパ古典様式を踏襲しつつも、独特の新鮮さとエネルギーに満ちていた。[ 7 ]

1804年、隣国ハイチの独立宣言に至った奴隷反乱は、キューバにとってある意味思わぬ収穫となった。難民となったプランテーション所有者とその奴隷たちは、未開発で人口の少ない島の東部に移住したのだ。しかし、トゥーサンとデサリーヌによる奴隷反乱の成功はカリブ海全域に激しい不安を広げ、それに対する一つの反応として、キューバ美術においてコスチュムブリスモ（写実的でありながらロマンティックな日常生活の描写）が台頭した。[ 4 ]

Tipos y Costumbres de la Isla de Cuba、ビクトル・パトリシオ・ランダルゼ、1881年。

このジャンルの初期を代表する画家は、スペイン生まれのビクトル・パトリシオ・デ・ランダルーゼ（1830年 - 1889年）です。彼の絵画は、プランテーション生活を荒々しくも本質的に自然で調和のとれたものとして描写しました。雑誌『エル・アルメンダレス』に寄稿した政治風刺画は、都市化した「クレオール貴族」をより風刺的に描いていました。キューバの独立に反対したランダルーゼは、やがて世論の支持を失いましたが、彼の作品は当時の雰囲気や人々の意識を捉えていることで、今もなお高く評価されています。[ 8 ] [ 3 ] [ 4 ]

1818年1月11日、フランス人ジャン・バティスト・ヴェルメイの指導の下、ハバナにサン・アレハンドロ国立美術アカデミー（創設者であり後援者でもある人物に敬意を表して「サン・アレハンドロ・アカデミー」として知られる）が設立されました。ラテンアメリカ最古の美術アカデミーであり、キューバではハバナ大学に次いで2番目に古い高等教育機関です。今日まで、キューバを代表する多くの芸術家を輩出してきました。

19世紀後半には風景画が人気を博し、ミゲル・アリアス・バルドゥ、ギジェルモ・コラソ、ホセ・アブレウ・モレル、ホセ・ホアキン・テハダといった画家たちが、キューバの豊かな自然環境を題材にした風景画を制作しました。作品の内容は穏やかであったにもかかわらず、多くの画家（おそらく最も顕著なのはコラソ）はキューバ独立を強く支持し、中には亡命を余儀なくされた者もいました。

1898年、アメリカ軍が反乱軍側に介入し、4世紀に渡るスペインのキューバ支配は終焉を迎えた。しかし、独立は幻に終わり、アメリカがキューバの外交政策と経済の多くを支配し、[ 9 ]強権的な大統領たちは自由と民主主義の促進にほとんど力を注がなかった。共和制初期も画家たちはほぼ以前と変わらず、伝統的なヨーロッパ様式でキューバの風景画や生活風景を描き続け、その中には印象派の要素がわずかに見られるものもあった。アントニオ・サンチェス・アラウホ、アルマンド・メノカル、アントニオ・ロドリゲス・モレイ、ドミンゴ・ラモス・エンリケス、レオポルド・ロマニャックなど多くが、アカデミー・サン・アレハンドロなどの芸術機関で講師や管理者になった。20世紀初頭にヨーロッパ美術を揺るがしたモダニズム運動は、当初は閉鎖的でアカデミックな現代キューバ美術界にはほとんど影響を及ぼさなかった。[ 3 ]

ヴァンガーディアのアーティスト

19世紀後半、キューバ美術では風景画が主流で、古典主義が依然として好まれていた。[ 10 ]世紀の最初の数十年間にヨーロッパ美術を変革した急進的な芸術運動は、1920年代にラテンアメリカに到来し、芸術、文化、社会の革新の活発な潮流の一部を形成した。[ 3 ]

¿キエール マス カフェ ドン ニコラ?、アントニオ・ガットルノ、約1938年。

1920年代後半までに、ヴァングアルディアの芸術家たちは、彼らのほとんどが通っていたハバナのキューバ国立美術アカデミー、サン・アレハンドロ校の慣習を拒否した。形成期には多くがパリに住み、シュルレアリスム、キュビズム、モダニズムのプリミティヴィズムの教義を学び、吸収した。モダニズムは、ヘラルド・マチャドの独裁、アメリカの新植民地主義的支配、および結果として生じる経済危機に反対して起こった国家再生の重要な運動の一部として、キューバの舞台に突如現れた。[ 11 ]彼らはキューバに戻り、新たな芸術的革新に身を捧げ、島の遺産を受け入れることに熱心だった。これらの芸術家たちは、イデオロギーにおいてますます政治的になり、独立後のキューバの支配層エリートとは対照的に、地方の貧困層を国民的アイデンティティの象徴とみなすようになった。パリで学んだ画家であり、ヴァンガード運動の指導者であったエドゥアルド・アベラは、この運動の典型的な人物でした。彼は故郷キューバを海外から発見しましたが、その動機は明らかに距離感と郷愁の組み合わせだったようです。帰国後、アベラは非常に生産的な創作活動の時期を迎えました。キューバの生活を描いた壁画は、マチャド政権下のキューバの生活を社会批判する風刺画によって補完されました。[ 12 ]

この運動の先駆者には、アベラ、アントニオ・ガットルノ、ビクトールノ、ビクトールノ・マヌエル、フィデリオ・ポンセ・デ・レオン、カルロス・エンリケス・ゴメスなどがいた。世紀の変わり目頃に生まれたこれらの芸術家たちは、新国家建設の混乱の中で成長し、キューバ人が国民的アイデンティティの発見と創造に取り組んでいた時代に成熟した。彼らは、20世紀第2四半期のキューバの進歩的知識人を特徴づける自信、革新、そしてナショナリズムの感覚を深く共有していた。

アントニオ・ガットルノ（1904 - 1980）とエドゥアルド・アベラ（1889 - 1965）は、同世代の画家たちの中で、近代ヨーロッパとメキシコの美術をキューバの題材の解釈に取り入れた最初期の画家たちであった。彼らはまた、初期ルネサンス絵画の直接性と理想化の中に、キューバのテーマを表現するための効果的なモデルを見出していた。これらの画家たちのクリオージョ画は、それぞれの相違点を伴いながらも、キューバを、素朴で官能的でありながらも、悲しく憂鬱な人々が住む、エキゾチックで時代を超越した田園地帯という、近代プリミティヴィズム的な視点を共有していた。キューバの自然と文化環境に根ざしていたにもかかわらず、ロ・クバーノ（キューバ人）のビジョンは当時の歴史的現実とは大きくかけ離れていた。むしろ、それは19世紀以来キューバのナショナリズムと芸術の構成要素であった理想的な祖国観に基づいていた。[ 3 ]

この理想化されたビジョンは、ヴィクトル・マヌエル（1897年 - 1969年）の肖像画や風景画に強く表れています。彼はパリに2度ほど滞在した際、特にポール・セザンヌとポール・ゴーギャンの作品に感銘を受けました。サン・アレハンドロ高校を卒業し、デッサンと構図に優れた才能を持つマヌエルは、キューバの題材（特に女性の顔）に原始的なシンプルさを適用し、憂鬱さと力強さを表現しました。その好例が『熱帯のジプシー』 （1929年）です。この作品は批評家からキューバ・アヴァンギャルド芸術を代表する作品の一つとされています。[ 3 ] [ 13 ]

カルロス・エンリケス（1900年 - 1957年）とフィデリオ・ポンセ（1895年 - 1949年）が変化、変容、そして死というテーマに置いた重点は、キューバ美術に永続的な影響を与えてきた。[ 14 ]エンリケスとポンセは、死に対する二つのアプローチを体現している。一つ目は溢れんばかりの逃避と感情に特徴づけられ、二つ目は憂鬱な瞑想に特徴づけられる。エンリケスが包囲戦勝利後の譫妄を描いたとすれば、ポンセは悲しみの控え室を描いた。エンリケスは裕福な家庭に生まれ、独学で画を学んだが、ポンセはサン・アレハンドロ・アカデミーに通っていたものの、貧困の中で生涯を過ごした。この二人の最も独創的で特徴的なヴァングアルディア派の画家に共通していたのは、深刻なアルコール依存症の問題を除けば、どちらもヨーロッパで学んだことがなかったということである。[ 3 ]

1927年初頭、ハバナの画家彫刻家協会でビクター・マヌエルとアントニオ・ガットルノの個展が開催され、続いて5月には、主にキューバのモダニストの作品を集めたグループ展「第一回新芸術博覧会」が開催された。前衛雑誌『レヴィスタ・デ・アバンセ』で大々的に宣伝されたこれらの展覧会は、好評を博し、キューバにおけるモダニストの受容に向けた重要な一歩となった。[ 3 ]

キューバ・モダニズムの第一世代の巨匠たちは、1930年以降のキューバ美術を規定する特定のテーマの普及の土台を築き、1960年以降に完全に亡命生活を送ることになる世代にも様々な影響を与えた。1934年から1940年の間、マチャド政権打倒の余波にまだ苦しむキューバは、ヨーロッパとアフリカのルーツに自らの文化的アイデンティティを模索していた。島の風景、動植物、そして伝承、そしてしばしば見過ごされてきたキューバの魂と経済の基盤である農民たちが、キューバ美術に現れたのである。[ 14 ]

ウィフレド・ラム（1902年 - 1982年）は中国、スペイン、アフリカの血を引くキューバ人で、ハバナ・バングアルディアとの直接的な関わりは薄いものの、同世代で芸術に対する動機や経験も似通っていた。サン・アレハンドロ美術アカデミーに通った後、当初はマドリードで学ぶというより伝統的な道を選び、スペインで長年暮らし創作活動を行った。スペイン内戦に従軍した後、パリに逃れ、そこでパブロ・ピカソの庇護を受け、ピカソがラムのアフリカ彫刻への興味に火をつけた。ラムはシュルレアリスムの詩人・哲学者アンドレ・ブルトンとも親交を深めた。パリでラムは同じキューバ人のホセ・サインツと出会い、ラムがキューバに戻った後も2人は友人関係を続けた。ラムの生涯においてサインツは、彼の芸術をアフロキューバンおよびカリブ海の血統に結びつける上で重要な役割を果たし、それがその後の彼の作品に大きな影響を与えることになった。 20年間の海外生活を終え、1941年にキューバに戻ったラムは、故郷に魅了され、落胆し、そして強いインスピレーションを受けた。彼はキュビズム、シュルレアリスム、アフリカ美術の要素と、彼が育ったサンテリアの儀式のイメージを融合させた、成熟した作風を急速に発展させた。1943年には、キューバ美術の傑作の一つとされる『ジャングル』を制作した。 [ 15 ] [ 4 ] [ 3 ]

アメリア・ペラエス（1896 - 1968）は、ヴァンガルディア唯一の主要女性芸術家でした。サン・アレハンドロ大学を卒業した彼女は、パリで数年間学び、制作活動を行いました。1934年にハバナに戻るまで、彼女はパリでアンリ・マティス、そして特にパブロ・ピカソとジョルジュ・ブラックのキュビスムの影響を受けていました。長いキャリアの中で、彼女は絵画、陶芸、モザイクなど、様々な媒体を用いて、多様な主題やテーマを探求しました。抽象化された静物画であれ、有名な大規模な公共壁画であれ、彼女の作品は一貫して鮮やかな色彩と精巧な構成を採用し、キューバの熱帯植物やハバナに広く見られるスペイン植民地時代の建築モチーフを表現していました。しかし、その多彩なエネルギーにもかかわらず、フランスの批評家フランシス・ド・ミオマンドレは、彼女の作品に「謎めいた沈黙に取り憑かれた、閉ざされた、完全に謎めいた世界」を感じ取った。彼女、ラム、そしてエンリケスは、キューバ美術における最も独特で決定的なスタイルを持つ作家とみなされるようになった。[ 3 ] [ 16 ] [ 4 ]

1935年までに、ヴァンガーディアはキューバにおいて重要な文化的勢力として認められ、国際的にも大きな注目を集めるようになりました。1930年代後半から40年代にかけて、アメリカ合衆国やラテンアメリカ全域でキューバ近代美術の主要な展覧会が開催されました。 1944年にニューヨーク近代美術館で開催されたキューバ近代絵画展の企画者、アルバート・H・バー・ジュニアは、「キューバの画家たちが他のどの流派の画家よりも多く示す、奔放な熱狂、陽気さ、率直さ、そして人生への愛に、私たちは感謝すべきだろう」と述べています。[ 3 ]

キューバの近代美術が最後にフランスのパリで公開されたのは、1951年に開催された国立近代美術館での展覧会であった。 [ 3 ]

キューバ近代美術への関心の高まりは、芸術家たち自身にとって物質的な利益をほとんどもたらさなかった。1935年の第1回国立絵画彫刻サロンのように、時折購入賞が授与されることはあったものの、一貫した後援制度はなく、キューバの前衛芸術家への作品委託は稀だった。ほとんどの芸術家は低賃金の教職や商業的な仕事で生計を立てていた。エンリケスやペラエスのように家族を頼りに生活していた者も少数いたが、ポンセやマヌエルのように貧困生活を送っていた者もいた。[ 3 ]彼らの中で、生前に作品に高値がついたのはウィフレド・ラムだけだった。[ 15 ]

オリジナル・ヴァングアルディアの他の著名なアーティストには、ホルヘ・アルチェ、マルセロ・ポゴロッティ、アリスティデス・フェルナンデス、ラファエル・ブランコ、ドミンゴ・ラベネ、アルベルト・ペーニャ、ロレンツォ・ロメロ・アルシアガがいます。 1938 年の第 2 回国立絵画彫刻サロンでは、クンド・ベルムデス、マリオ・カレーニョ、リタ・ロンガ、アルフレド・ロサーノ、ルイス・マルティネス＝ペドロ、ルネ・ポルトカレロを含む第二世代の現代芸術家が台頭した[ 3 ]

1940年代後半までに、第一世代の前衛芸術家たちはそれぞれにキャリアを積むため散っていった。ラムは大きな成功を収め、1952年以降は主にパリで活動した。[ 15 ]アルチェ、フェルナンデス、ペーニャは若くして亡くなり、エンリケスとポンセは中年で亡くなる前に国際的な評価を得た。ガットルノやポゴロッティといった他の芸術家はキューバを離れ、全く新しい芸術の道を歩み始めた。さらに多くの芸術家が1959年のキューバ革命後に国を離れたが、革命によってキューバの芸術家たちはアメリカやヨーロッパの芸術の発展や市場から孤立した。ペラエス、アベラ、マヌエルなど、キューバで制作を続けた芸術家もいる。[ 3 ]

ヴァングアルディアの芸術家たちは、2003年にニューヨーク近代美術館で開催された現代キューバ絵画展で国際的な評価を受け、その後パリでも展示されました。 [ 17 ]フアン・ラモン・バルデス・ゴメス（通称イキ）やホセ・トイラックなど、現代キューバの芸術家たちはこの伝統を引き継いで重要な作品を制作し続けています。

素朴芸術

Juego de Domino ( The Domino Players )、キャンバスに油彩、2008 年、ホセ・ロドリゲス・フスター。

ヨーロッパや北米の美術評論家によると、ナイーブ・アートは通常、子供のような新鮮さとアマチュア的な性質、例えば正確な遠近法の欠如、モデリングがほとんどないか全くないこと、そして大胆な色使いによって認識されます。[ 19 ]この様式で作品を制作する芸術家は、一般的に「原始的」または「民俗的」な様式の芸術を好むと認識されています。[ 20 ] 「ナイーブ」という言葉自体が問題となる場合があります。通常は芸術家が独学であることを意味しますが、ナイーブ・アーティストは芸術の基本的なルールを無視する傾向があるため、過去にはアカデミックな芸術家や批評家によって軽蔑的な言葉として使用されてきました。学術的な慣習を無視しているにもかかわらず、ナイーブ・アーティストは独自の芸術表現において非常に洗練されていることが多いのです。

キューバのナイーブ・アートに用いられる色彩は特に鮮やかで、芸術家たちは熱帯の故郷の鮮やかな色彩を用いて、カトリックやサンテリアのオリチャ（神々）、伝説、そして過去と現在のアフロキューバ文化の他の側面への精神的な言及を交えながら、田舎暮らしの理想化を表現しています。このナイーブ・アート様式は、困難にもめげず人生を楽しむという典型的なキューバの世界観を描いています[ 19 ] 。

1950年代、キューバへのアメリカ人観光客の流入は、民俗芸術や絵画芸術への大きな需要を生み出し、「観光芸術」として知られるようになった作品の制作増加につながりました。その多くは素朴派と分類されました。[ 21 ]当時、この芸術は「後進的で野蛮、粗野な表現であり、一掃されるべきもの」と見なされ、生きた文化の真摯な表現とは見なされていませんでした。[ 22 ] 1959年のキューバ革命後、教育、文化、芸術活動が奨励され、芸術家は国の無償の美術学校（Escuelas Nacionales de Arte、現在はInstituto Superior de Arte ）に通うことができました。しかし、物理的な孤立やアカデミックな絵画の世界への関心の欠如のためか、独学で絵を描く「インジェニアス（純真）」や「スポンテーニアス（自発的）」な画家が数多く残っていました。これらの芸術家の多くは、1960年代初頭に「民衆芸術家運動」に参加しました。この協力やその他の取り組みはその後数十年で衰退しましたが、芸術家自身は絵を描き続けました。[ 23 ]

キューバ革命後の初期には、学業成績と芸術教育に対する国民的誇りから、「ナイーブ・アーティスト」と呼ばれることは屈辱的とみなされていました。ナイーブ・アーティストは政府からプロの芸術家として認められていなかったため、芸術界全体から真剣に扱われることはなく、時には嫌がらせを受けることもありました。彼らの作品の売却はキューバ政府から違法行為とみなされたのです。[ 24 ]しかし、20世紀後半になると、この風潮は変化し始めました。

1997年、ニューヨーク市のキューバ研究センター・アートスペースのエグゼクティブディレクター、サンドラ・レビンソンは、メトロポリタン・アーツ・センターで初めての展覧会「キューバのナイーブ・アート」を開催し、キューバのナイーブ・アーティスト14名と、サンティアゴ・デ・クーバのメラ出身のグループ「グルーポ・バヤテ」のメンバー8名の作品を展示した。これらのアーティストは、レビンソン、オルガ・ハーシュホーンらが1996年にキューバを訪れた際に発見された。彼らは、それまで米国ではほとんど見られなかったこのスタイルのアート作品を探して、島中をくまなく探した[ 19 ]。

グルポ・バヤテの非公式なリーダーは、ルイス・ロドリゲス・アリアス（1950年生まれ）で、職業はパン職人です。彼は息子で芸術家のルイス・ロドリゲス・リカルド（1966年生まれ）と区別するために「エル・マエストロ」と呼ばれています。リカルドは「エル・エストゥディアンテ」を名乗っています。二人は1997年9月11日から10月10日まで開催された「キューバのナイーブアート」展に出展されました。 [ 19 ]

ルイス・エル・エストゥディアンテ・ロドリゲスは、キューバで最も著名なナイーブ画家の一人です。彼は18歳で絵を描き始めました。ガールフレンドの家を描いた最初の絵は「ひどい」ものでした。[ 25 ]軍隊に入隊し、建設業に従事した後、キューバの「特別期間」中に農業労働に従事しました。その間、彼は収入を補うために彫刻の制作を始め、数年後に絵画に転向しました。[ 26 ]多くのナイーブ画家と同様に、彼は日常生活の経験、つまり宗教儀式や地域社会の出来事や人々から作品のインスピレーションを得ています。ハイチ人家族が大多数を占める地域で育った彼は、彼らの苦悩をよく理解しており、時には自分の作品を「論争的」と表現します。[ 26 ] 1997年1月、エル・エストゥディアンテはサンティアゴ・デ・クーバ最大かつ最も権威のあるギャラリー、オリエンテで個展を開催し、その後もグループ・バヤテの展覧会に参加し続けている。2002年6月、ニューヨーク・タイムズ紙の記事「活気あふれるキューバ人は少ないもので大きな成果を上げる」の中で、彼の作品は「色彩豊かでラッシュアワーの電車のように積み重なっている」と評され、[ 27 ]彼の素朴な作風がアート市場で成功を収めていることも示唆している。

1997年にメトロポリタン・アーツ・センターで開催された「キューバのナイーブ・アート」展で紹介されたもう一人のアーティストは、フリアン・エスピノサ・レボジェド（別名ワヤコン）です。1931年生まれ（出生登録は1941年まで行われなかったため、「公式には」実年齢より10歳若くなっています）、ワヤコンは幼少期から絵を描き始めました。小学校3年生までしか学校に通わず、独学で絵を学び、建築家として生計を立て、成長するとキューバのアカデミーの講義を聴講しました。1950年代にはシニョス芸術家グループに参加し、日本とスイスで初の個展を開催しました。[ 28 ]ミロ、シャガール、ドガ、ピカソを崇拝していた彼ですが、最大のインスピレーションはサンテリア宗教の実践を観察することから得ています。[ 29 ]彼の作品の多くには、鮮やかな色彩と宗教的イメージが織り込まれ、幻覚的な雰囲気さえ漂います。[ 19 ]

キューバを代表するナイーブ・アーティスト、ホセ・ロドリゲス・フステル（通称フステル）は、絵画やデッサンに加え、陶芸家としての専門知識を活かし、長年にわたりハバナの貧しい郊外ハイマニタスを、魔法のように夢のような街並みへと変貌させてきました。バルセロナにあるアントニ・ガウディの有名なグエル公園を彷彿とさせる環境を創り出しています。巨大なチェス盤とテーブルのあるチェス公園、華麗な壁画とドームで個別に装飾された家々、多くの家の入り口に設置された巨大な雄鶏、ガウチョ、アフロキューバンの宗教的像、フステル様式の劇場、公共広場、そして巨大な壁画など、見どころが満載です。

セファルディ系出身の独学画家、コルソ・デ・パレンズエラ（ハバナ生まれ、1960年頃）のプリミティブ・アウトサイダー・アートは、豊かな記憶の鉱脈を素材として、非常に個人的なキューバの風景を描いています。彼は8歳の時に家族と共にアメリカに移住しましたが、色鮮やかで生き生きとした作品群は、故郷の豊かな文化遺産を際立たせることに重点を置いていました。[ 30 ]

マヌエル・メンディベは、厳密にはナイーブ・アーティストではないものの、視覚芸術における現代アフロ・キューバニスモの最も重要な担い手と言えるでしょう。1944年、サンテリアを信仰する家庭に生まれ、1962年にハバナの名門アカデミー・デ・アルテス・プラスティカス・サン・アレハンドロを彫刻と絵画の分野で優秀な成績で卒業しました。

現代美術サロンやハバナ・ビエンナーレでは、ナイーブ・アーティストの作品はほとんど展示されていません。しかし、このジャンルへの関心が高まるにつれ、2015年以降、このスタイルで絵を描き始めるアカデミックなアーティストの数が増加しており、あらゆる層の作品が展示されるようになっています。[ 31 ]

革命後のキューバの芸術

1960年代、キューバ革命の余波は新たな規制をもたらし、知識人や芸術家の流出を引き起こした。新体制は「ステレオタイプ化されたナショナリズムと共に、イデオロギー的プロパガンダとしての文化活動」を要求した。[ 32 ]限られた資源に支えられた政府の政策は芸術表現を制限したが、教育と補助金を通じて芸術活動を行う人々の数を増やし、民主化と社会化によって障壁を打ち破った。 1960年代と1970年代におけるソビエト連邦の影響力の増大はキューバ文化に影響を与えたが、キューバ政府の芸術に対する統制の度合いはソ連に匹敵するものではなかった。[ 32 ]

1968年、アルベルト・コルダの写真をもとにアルフレド・ロストゴーがデザインした「シェ」のポスター。このポスターはOSPAAALの雑誌『Tricontinental』に掲載された。

1960年代には、革命志向委員会（キューバ共産党の出版部門、後にエディトーラ・ポリティカ（EP）と改名）やOSPAAALなどの政府機関がプロパガンダ用のポスターを大量生産し始めた。これらの多くは典型的なソビエトのデザイン特徴を用いていたが、初期のサンプルの中にはキューバのカラフルで独創的なグラフィックデザインへの感覚が垣間見えるものもあり、60年代後半にはキューバのグラフィックアートは絶頂期を迎えていた。本質的には依然としてプロパガンダを制作していたものの、ルネ・メデロス、ラウル・マルティネス、アルフレド・ロストゴー、フェリックス・ベルトランなどのアーティストは鮮やかで力強く、非常に独特な作品を生み出し、グラフィックデザインに世界的な影響を与えた。[ 33 ] [ 34 ]

キューバのグラフィックデザイナーがよく使っていたイメージの一つに、アルベルト・コルダ（1928年ハバナ生まれ、2001年パリ没）が撮影したチェ・ゲバラの写真「ゲリレロ・エロイカ」がある。1960年3月、ハバナ港で行われた弾薬船爆発の犠牲者追悼式で、陰鬱で疲れ切ったゲバラの姿をありのままに捉えたこの写真は、世界で最も象徴的なイメージの一つとなった。この写真は後に、ガムの包み紙からハバナの革命広場にある高さ90フィート（約27メートル）の鉄製記念碑まで、あらゆるものに改変・採用された。コルダは人気ファッション写真家で、後にフィデル・カストロの熱心な革命家となり、彼の側近となり、カストロの旅とキューバの変遷を何千枚も撮影した。[ 35 ] [ 36 ]

キューバ人は、グルポ・アンティリャーノの作品に例示されるように、自らの文化に根ざしたキューバのアイデンティティを強化することに熱心であり続けた。[ 37 ]近代西洋美術の教義とアフロキューバンの美術学校および運動の発展の同時的な同化または統合により、新しいキューバ文化が生み出された。革命後のこの時期には、国家による支援および雇用プログラムの下で芸術が急増した。これらのプログラムは、芸術的内容を政治化するとともに、キューバの再発明されたナショナリズムの枠組みの中で国民に自信を与えた。ネルソン・ドミンゲスとロベルト・ファベロは、1950年代の抽象主義と新表現主義から、プロレタリア、農民、労働者、兵士を不滅のものにしつつ、アントニア・エイリス・バスケスの指導の下で学んだ多くの技法を活用し続けた。ナショナリズムと芸術の政治化を組み合わせることで、芸術家たちは革新を刺激し続ける自由を維持した。

サロン・デ・マヨ（5月のサロン）は、1967年7月にハバナで開催された美術展である。カルロス・フランキが主催し、100人以上のアーティストの作品が展示され、初期モダニスト（ピカソ、ミロ、マグリット）、次世代（ラム、カルダー、ジャック・エロルド、スタンリー・ヘイター）、戦後（アスガー・ヨルン、アントニオ・サウラ、ホルヘ・ソト）といった20世紀美術のライバル流派を代表する作品が展示された。 [ 38 ]革命後の10年間における芸術的自由表現の頂点を象徴する展覧会であった。[ 39 ]

新しい芸術

1960年代と1970年代にはコンセプチュアル・アートが導入され、職人技からアイデアへと重​​点が移りました。これは、芸術制作において物体が排除されることを意味し、アイデアのみが提示または議論されるようになりました。これは、パトロンによるより高度な参加（双方向の参加、あるいは指示に従うこと）を必要としました。コンセプチュアル・アート、ミニマリズム、アース・アート、パフォーマンス・アートが融合し、芸術の定義そのものを拡大しました。[ 40 ]

1970年代後半には、キューバの芸術学校「Instituto Superior de Arte（高等美術学院）の塑像芸術学部」（1976年設立）の卒業生の多くが教師となり、島中の若者に美術を教えていました。これは、卒業生たちが生徒たちに、媒体、メッセージ、そして芸術様式における表現の自由について教える場となりました。この新たなレベルの実験と表現こそが、1980年代の運動を支えたのです。[ 2 ]

キューバでは、これらの新たな発展はアフロキューバンの感性を通して自然に融合し、「ニューアート」として出現しました。これは、キューバ特有の芸術運動として広く認識されています。革命後に生まれた若い芸術家たちはモダニズムに反抗し、コンセプチュアルアートをはじめとする様々なジャンルを受け入れました。多くの芸術家が、民俗伝統やサンテリアのモチーフを独自の表現に取り入れながら、ユーモアと嘲笑を込めたメッセージを伝えました。[ 32 ]アフリカの視点を基盤とした国際的な芸術を創造することで、芸術は質的な飛躍を遂げました。それは、シュルレアリスムのような外側からの視点ではなく、彼ら自身の文化的・精神的な複雑さを内包する視点から捉えられたものでした。

1981年の展覧会「ヴォルメン・ウノ」は、ニューアートへの扉を勢いづかせました。参加者の多くはまだ学生でしたが、アルベルト・ホルヘ・キャロル、ネルソン・ドミンゲス、セサル・レアルといった前世代のアーティストたちによる典型的な世代的反発が巻き起こり、彼らは新進気鋭のアーティストたちを攻撃しました。ホセ・ベディア、ルーシー・リパード、アナ・メンディエタ、リカルド・ブレイ、レアンドロ・ソト、フアン・フランシスコ・エルソ、フラビオ・ガルシアンディア、グスタボ・ペレス・モンソン、ルベン・トーレス・ジョルカ、ゴリー（ロヘリオ・ロペス・マリン）、トマス・サンチェスからなる「ヴォルメン・ウノ」は、「アンフォルメル、ポップ、ミニマリズム、コンセプチュアリズム、パフォーマンス、グラフィティ、アルテ・ポーヴェラを通してフィルタリングされ、批評的、倫理的、そして有機的にキューバ的なものへと再構成され、再活性化された、新鮮な折衷的なミックス」を提示しました。[ 41 ]

その後、第 2 世代、第 3 世代が文脈の中で現れます。第 2 世代のアーティストには、コンスエロ カスタニェダ、グスタボ ラモン アコスタ、ウンベルト カストロ、モイセス フィナーレ、マグダレーナ カンポス、ホセ フランコ、カルロス アルベルト ガルシア、アントニオ エリジオ フェルナンデス、マルタマリア ペレスがいます。[ 42 ]

この時代のアーティストたちは、政治運動を支持する表現ではなく、芸術においてリスクを負い、真に自分自身を表現しようとした人々に捧げられました。1980年代のアートを見ると、キューバの形そのものを芸術のインスピレーションとして用いる傾向が見られます。アーティスト、フロレンシオ・ヘラベルト・ソトの作品「Immediately Geographic」は、キューバの形を模した彫刻ですが、複数の部分に分割されています。これは、アーティストに対する依然として不平等な扱いと、彼らが受けていた抑圧を反映しているとも解釈できます。この作品に倣い、「トークナイゼーション」と呼ばれる段階で、キューバの形が作品のトークンとなる動きが起こりました。この作品では、キューバ島の形と国旗などの国の他の要素が組み合わされることがよくありました。キューバの様々なシンボルを組み合わせることで、アーティストたちは「これが私たちだ」と誇りを持って宣言していたのです。しかし、一部の美術評論家や歴史家は、これは島の孤立した性質によるところが大きいと主張し、芸術作品における島の使用は孤独感を表現していると主張している。すべての芸術と同様に、芸術家の意図は多くの解釈が可能だ。[ 43 ]

1980年代半ばには、別のグループのアーティストたちが、アルド・メネンデスが1988年のインスタレーションに取り入れたように、「混沌を蘇らせる」「混沌を蘇らせる」という、より明確な政治的責任を模索しました。メネンデスのインスタレーションには、「ご覧の通り、この作品はほとんど白紙です。材料が不足していたため、ようやく制作を始めることができました。どうかご協力をお願いします」というメモが添えられていました。ここにキューバのユーモア、写真があり、「おそらく最もキューバらしい表現」と言えるでしょう。[ 41 ]

笑いは、革命の、そして革命からのアナキズム的エネルギーの解毒剤となった。「ある瞬間は攻撃的な引き潮、そして道化師の挑発となり、緊張を高める」と、レイチェル・ワイスは『ユートピアへの、そしてユートピアからの、新キューバ美術』の中で述べている。[ 41 ]「写真は権威と威信にアレルギーがあり、あらゆる形で秩序の敵となっている…市民の幻滅、キューバ人の疑念と嘲笑に満ちた内なる本性が表面に浮かび上がっている。」[ 41 ]写真は、正確さを捨て去り、例の極限を描写する傾向がある。この皮肉なキューバのユーモアは、キューバ美術の鮮やかなカリブ海の色彩パレットと同じくらい、キューバ美術において遍在するようになった。エドゥアルド・ポンファン、グレキシス・ノボア（ABTVグループ）、カルロス・ロドリゲス・カルデナス、カルロス・ガライコア、ルネ・フランシスコ、エンリケ・シルヴェストレ[ 44 ]はこの感性の典型であり、キッチュと融合させ、過去を思い起こさせながら現在のキューバの姿勢に共感し、ソ連が財政援助を撤回したキューバの「特別な時期」前夜に芸術を解放した。

1990年、キューバ政府はソ連からの支援喪失を補う手段として、観光業を刺激するプログラムを開始しました。1992年には憲法が改正され、外国所有の不動産の保有と保護が認められ、1993年にはドルの合法的な流通が許可されました。1994年には、キューバ最大の収入源である観光業をさらに促進するため、内閣レベルの省庁である観光省が設立されました。[ 41 ]芸術家たちだけでなく一般市民も、当初は「引きこもり」の姿勢を示しました。「公的なものから私的なものへ…集団的なものから個人的なものへ…叙事詩から日常的なものへ…風刺から隠喩へ…論争からの引きこもり…対立からの引きこもり」でした。[ 41 ]しかし、絵画における変化を決定づけたのは、概念芸術から具象芸術への引きこもりでした。観光客の関心の高さに支えられ、芸術はより顕在化し、より具象的な表現様式へと回帰しました。芸術はまた、人種や差別の問題を扱うケロイデス・アート・プロジェクトに見られるように、 「特別な時期」によって拡大された社会問題のいくつかについてキューバ人が議論する場としても機能した。 [ 45 ]

「すべてのキューバ人は芸術家であり、すべての家がアートギャラリーである」とレイチェル・ワイスは著書『ユートピアへ、そしてユートピアから、新しいキューバ美術』の中で書いている。[ 41 ]

キューバ美術における政治的影響

「キューバ文化において重要な問題は、急進的な政治的立場と芸術的立場とのつながりである…文化は、それが生み出された状況に適応した顕著な社会的優位性を持ち、植民地主義と新植民地主義の勢力に直面して国民的アイデンティティを構築することを余儀なくされる。」[ 32 ]

1980年代、新キューバ芸術運動が定着しつつあった頃、多くの人々は依然として、キューバ革命が約束した社会正義の第三世界のユートピアの確立を願っていました。キューバは他のラテンアメリカ諸国と多くの共通点を持っていますが、アメリカ大陸の旧植民地諸国の中で、キューバが独自の地位を占めていることを保証している3つの要素があります。

  • スペインは20世紀半ばまでキューバへの大規模な移民を続けた。
  • 先住民は17世紀に絶滅した
  • キューバはアメリカ大陸のアフリカ系移民の中で最も多様な文化的伝統を持っている。

キューバには表現の自由は存在しないものの、認められたアーティストであれば、適切な時期と場所、つまり公式に認可（および管理）された会場で、メディアへの露出がほとんどない（あるいは全くない）状況であれば、ある程度の不協和音は許容される。これは誰もが常に緊張感を保ち、国家にとって有益な緊張感を生み出す。世界市場は、政治的な不遜さを少し含んだキューバ美術を好むようだが、海外で販売されているキューバ人アーティストの優れた作品の多くは、キューバ、カリブ海諸国、あるいはラテンアメリカのスタイルや内容を明確に反映していない。キューバ人アーティストは、しばしば二重の意味合いや客観性（パロディ、皮肉、皮肉、パスティッシュ）の達人である。この種の芸術はキューバではほとんど重要視されていないため、政権はある程度寛容な姿勢を装うことができる。一線を越えそうな場合は検閲されることもあり、アーティストは海外で作品を発表し、国内では他の作品を展示する自由が与えられるかもしれない。[ 46 ]

キューバ美術における宗教的影響

キリスト教（主にカトリック）に加えて、4つのアフリカの宗教がキューバで実践されている文化に影響を与え続けています。サンテリア（ヨルバ）、パロ・モンテ（コンゴ）、レグラ・アララ（エウェ・フォン）、そして男性のみの秘密結社アバクア（カラバル）です。アフリカの宗教はそれぞれ独立して機能し、互いに、そしてキリスト教と融合しています（シンクレティズム）。これらの独特な現実観は、アフロキューバンと呼ばれる文化的特徴を形作ってきた実践、信仰、慣習の中核を形成し、キューバ美術における支配的な力として知られています。人種を超えた「ハイブリッドで独創的で、現代[キューバ]文化の構築に影響を与えた」ものです。[ 47 ]

参照

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