エレクトロニックダンスミュージック

エレクトロニックダンスミュージック
その他の名前EDM
文体の起源
文化的起源1980年代 ヨーロッパ、日本、アメリカ合衆国
代表的な楽器
派生形
サブジャンル
フュージョンジャンル

エレクトロニック・ダンス・ミュージック（EDM）[ 1 ]は、ダンス・ミュージックやクラブ・ミュージックとも呼ばれ、もともとナイトクラブ、レイブ、フェスティバル向けに作られた、パーカッシブな電子音楽の幅広いジャンルを指します。EDMは通常、DJが1つの録音から次の録音へとつなぎ合わせることで、 DJミックスと呼ばれるシームレスなトラックの選択を作成するために再生されるように制作されます。 [ 2 ] EDMプロデューサーは、コンサートやフェスティバルの場で、ライブPAと呼ばれることもある場所で、生演奏を行うこともあります。EDMは誕生以来、幅広いサブジャンルを含むように拡大してきました。

1980年代後半から1990年代前半にかけて、電子楽器、レイブカルチャー、海賊ラジオ、パーティークルー、アンダーグラウンドフェスティバルの出現、クラブカルチャーへの関心の高まりを受けて、EDMはヨーロッパや日本で主流の人気を獲得した。しかし、レイブカルチャーは米国ではそれほど広く普及しておらず、ニューヨーク市、フロリダ、中西部、カリフォルニアの地域シーン以外で見られることはほとんどなかった。エレクトロ、シカゴハウス、デトロイトテクノといった先駆的なジャンルは欧州と米国の両方で影響力があったが、米国の主流メディアやレコード業界は1990年代以降も公然と敵対的であり続けた。また、EDMとドラッグカルチャーの間には関連性があると考えられていたため、州政府や市政府はレイブカルチャーの蔓延を阻止するための法律や政策を制定した。[ 3 ]

その後、新世紀に入り、EDMの人気は世界的に高まり、特にアメリカとオーストラリアで顕著になりました。2010年代初頭には、アメリカの音楽業界と音楽メディアは、アメリカのレイブカルチャーを再構築する試みとして、「エレクトロニック・ダンス・ミュージック」という用語とその頭文字である「EDM」の使用を推進しました。[ 3 ]業界がEDMという特定のブランドを作ろうとしたにもかかわらず、EDMという名称は、ダンスポップ、ハウス、テクノ、エレクトロ、トランスなど、 EDMという名称よりも古い複数のジャンル、そしてそれぞれのサブジャンルを含む包括的な用語として今も使われています。[ 4 ] [ 5 ] [ 6 ]

歴史

過去40年間で、ハウス、テクノ、ドラムンベース、ダンスポップなど、様々なEDMジャンルが進化してきました。確立されたEDMジャンル内でのスタイルの多様性は、いわゆるサブジャンルの出現につながる可能性があります。2つ以上のジャンルの要素が融合するハイブリッド化は、全く新しいEDMジャンルの出現につながる可能性があります。[ 4 ]

先駆者

1960年代後半には、シルバーアップルズなどのバンドがダンス用の電子音楽を制作した。[ 7 ]後の電子ダンスミュージックに影響を与えた初期の音楽としては、1960年代後半から1970年代のジャマイカのダブミュージック、 [ 6 ] 1970年代後半のイタリアのプロデューサー、ジョルジオ・モロダーによるシンセサイザーベースのディスコミュージック、 1970年代半ばから後半のクラフトヴェルクやイエローマジックオーケストラによるエレクトロポップなどがある。 [ 5 ]

ダブ

作家のマイケル・ヴィールは、 1968年から1985年にかけて隆盛を極めたジャマイカ音楽、ダブ・ミュージックを、現代のエレクトロニック・ダンス・ミュージックの重要な先駆けの一つとみなしている。[ 8 ]ダブ・プロダクションは、リズム、断片的な歌詞とメロディーの要素、残響のテクスチャを強調したレゲエ・トラックのリミックスである。 [ 9 ]この音楽の先駆者は、キング・タビー、エロール・トンプソン、リー・“スクラッチ”・ペリー、サイエンティストといったスタジオ・エンジニアたちだった。[ 8 ]彼らの作品には、ヴィールがミュージック・コンクレートで使われる手法に匹敵すると考えるテープ編集やサウンド処理の手法が含まれていた。ダブ・プロデューサーは、スタジオのミキシング・ボードを演奏楽器として使用することで、既存のマルチトラック・レゲエ・ミックスを即興的に解体した。また、補助センド・ルーティングを創造的に使用することで、リバーブやディレイなどの空間効果を前面に出した。[ 8 ]ローランド社が製造したRoland Space Echoは、1970年代にエコーやディレイ効果を生み出すためにダブプロデューサーに広く使用されました。[ 10 ]

キング・タビーやリー・“スクラッチ”・ペリーといったダブの先駆者たちは、利用できる電子機器が限られていたにもかかわらず、リミックス文化における彼らの実験は音楽的に最先端でした。[ 11 ]アンビエント・ダブは、キング・タビーをはじめとするジャマイカのサウンド・アーティストによって開拓され、DJにインスパイアされたアンビエント・エレクトロニクス、ドロップアウト、エコー、イコライゼーション、サイケデリックな電子効果などを駆使しました。レイヤー技術を特徴とし、ワールドミュージックの要素、深みのあるベースライン、ハーモニックサウンドを取り入れていました。[ 12 ]ロング・エコー・ディレイなどの技術も使用されました。[ 13 ]

ヒップホップ

ヒップホップは、 1970年代からエレクトロニックダンスミュージックの発展に一定の影響を与えてきました。[ 14 ]ジャマイカのサウンドシステム文化に触発されたジャマイカ系アメリカ人のDJ、クール・ハークは、大型で低音の重いスピーカーリグをブロンクスに導入しました。[ 15 ]彼のパーティーは、1973年にニューヨーク市でのヒップホップムーブメントのきっかけを作ったと言われています。[ 15 ] DJ クール・ハークによって開発され、ヒップホップカルチャーで人気となった手法は、2台のターンテーブルで同じレコードを2枚交互に再生し、トラックにブレイクがあるポイントで再生するというものでした。この手法はさらに、純粋にパーカッシブなブレイクを手動でループするために使用され、後にブレイクビーツと呼ばれるようになりました。[ 16 ]

ターンテーブリズムは、松下電器産業（現パナソニック）の技術者であった小幡修一氏によるダイレクトドライブターンテーブルの発明[ 17 ]に端を発する。 [ 18 ] 1969年、松下電器産業はSP-10 [ 19 ]としてこれを発売した。これは市場初のダイレクトドライブターンテーブルであり[ 20 ] 、同社の影響力のあるテクニクスシリーズの第1号機でもあった。[ 19 ]最も影響力のあるターンテーブルはテクニクス SL-1200 [ 21 ]で、これは1971年に松下の小幡修一氏率いるチームによって開発され、1972年に発売された。[ 17 ] 1980年代と1990年代には、ヒップホップのDJがターンテーブルを楽器として独自の使い方をし、その技巧的な使用法はターンテーブリズムと呼ばれる創造的な実践へと発展した。[ 21 ]

ディスコ

1974年、ジョージ・マクレーの初期のディスコヒット曲「ロック・ユア・ベイビー」は、ドラムマシン（初期のローランドのリズムマシン）を使用した最初のレコードの1つでした。 [ 22 ] [ 23 ]ディスコ音楽制作におけるドラムマシンの使用は、スライ&ザ・ファミリー・ストーンの「ファミリー・アフェア」（1971年）の影響を受けており、そのリズムはマクレーの「ロック・ユア・ベイビー」に反映されています。[ 24 ]ティミー・トーマスの「ホワイ・キャント・ウィー・リヴ・トゥゲザー」（1972年）にも反映されています。[ 25 ] [ 23 ] [ 24 ]ディスコプロデューサーのビドゥは、 1976年から1977年にかけて、いくつかのディスコソングでシンセサイザーを使用しました。これには、Rain Forest（1976年）の「Bionic Boogie」、[ 26 ]「Soul Coaxing」（1977年）、[ 27 ]およびEastern ManとFuturistic Journey [ 28 ] [ 29 ]（1976年から1977年にかけて録音）が含まれます。[ 30 ]

ドナ・サマー、シック、アース・ウィンド・アンド・ファイアー、ヒートウェーブ、ヴィレッジ・ピープルといったアーティストが、1970年代後半のディスコサウンドの定義に貢献した。ジョルジオ・モロダーとピート・ベロッテは1977年にドナ・サマーの「アイ・フィール・ラブ」をプロデュースした。この曲は、完全にシンセサイザーで録音されたバッキングトラックを持つ最初の有名なディスコヒットとなった。他のディスコプロデューサー、中でも最も有名なのはアメリカ人プロデューサーのトム・モールトンだが、彼らはダブミュージック（1970年代のニューヨークへのジャマイカ人移民の増加によって生まれた）からアイデアやテクニックを取り入れ、当時主流だった4つ打ちスタイルに代わる音楽を提供した。[ 31 ] [ 32 ] 1980年代初頭、アメリカ合衆国ではディスコミュージックの人気が急激に衰え、大手レコード会社やプロデューサーから見放された。ユーロ・ディスコは、幅広い主流のポップミュージックシーンの中で進化を続けた。[ 33 ]

シンセポップ

シンセポップ（シンセサイザーポップの略。[ 34 ]テクノポップ[ 35 ] [ 36 ]とも呼ばれる）は、1970年代後半に初めて目立つようになった音楽ジャンルであり、シンセサイザーを主要な楽器として特徴づけている。 [ 37 ] 1960年代から1970年代初頭にかけて、プログレッシブ・ロック、エレクトロニック、アートロック、ディスコでシンセサイザーが使用されたことで、その前兆が現れた。

初期のシンセポップの先駆者には、日本のイエロー・マジック・オーケストラや、イギリスのバンド、ウルトラヴォックス、ヒューマン・リーグ、ベルリン・ブロンドスなどがいた。ヒューマン・リーグは、モノフォニック・シンセサイザーを用いて、シンプルで質素な音の音楽を制作した。 1979年にゲイリー・ニューマンがイギリスのシングル・チャートでブレイクした後、1980年代初頭には、ジャパンやオーケストラ・マヌーヴァーズ・イン・ザ・ダークなどの1970年代後半の新人や、デペッシュ・モードやユーリズミックスなどの新人を含む多くのアーティストがシンセサイザー・ベースのサウンドで成功を収め始めた。日本では、イエロー・マジック・オーケストラの成功が、P-MODEL、プラスチックス、ヒカシューなどのシンセポップバンドの道を開いた。安価なポリフォニック・シンセサイザーの開発、 MIDIの定義、ダンスビートの使用は、シンセポップのより商業的で親しみやすいサウンドにつながった。これと、ニューロマンティック運動のスタイルに敏感なアーティストによる採用、そしてMTVの台頭により、多数のイギリスのシンセポップ アーティスト (デュラン・デュランやスパンダー・バレエなど) が米国で成功を収めることになった。

ポピュラー音楽におけるデジタルサンプリングとループの使用は、日本の電子音楽バンド、イエロー・マジック・オーケストラ（YMO）によって開拓されました。[ 38 ] [ 39 ] [ 40 ] [ 41 ]彼らのサンプリング手法は、音の断片を切り取ってコンピュータ技術でループさせることで音楽を構築するという、現代の手法の先駆けでした。[ 40 ]「Computer Game/Firecracker」（1978年）は、マーティン・デニーのメロディーを補間し、[ 42 ]スペースインベーダー[ 43 ]のビデオゲームのサウンドをサンプリングしました。[ 42 ]テクノデリック（1981年）は、サンプルとループで構成された最初のアルバムとして、ポピュラー音楽にデジタルサンプリングの使用を紹介しました。[ 39 ] [ 41 ]このアルバムは、エンジニアの村田健司がYMOのために特注した東芝EMIのLMD-649デジタルPCMサンプラーを使用して制作されました。 [ 41 ] LMD-649は、1980年代初頭に真鍋千枝美[ 44 ]やロジックシステム[ 45 ]などのYMO関連のアーティストを含む他の日本のシンセポップアーティストによってサンプリングにも使用されました。

1980年代

1980年代のエレクトロニックダンスミュージックの出現は、いくつかの新しい電子楽器の開発、特に日本のローランド株式会社による楽器の開発によって形作られました。ローランドTR-808（しばしば「808」と略される）は、ダンスミュージックの進化において特に重要な役割を果たしました。[ 46 ] 1980年、坂本龍一のアルバム『B-2 Unit』に収録されているカルトヒット曲「Riot in Lagos」が808をクラブに導入し、現代のダンスミュージックの基礎を築いた新しいタイプのエレクトロミュージックを実証し、 [ 47 ] [ 48 ]ダンスミュージックの歴史の中で最も重要なトラックの1つとなりました。[ 49 ] 1982年、アフリカ・バンバータの「Planet Rock 」（1982年）により、808はダンスフロアで非常に人気になりました。[ 50 ]坂本龍一の「Riot in Lagos」やクラフトヴェルクの影響を受けていたこの曲は、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの発展、[ 51 ]マイアミ・ベースやデトロイト・テクノなどのサブジャンルに影響を与え、808を「未来的なサウンドの基本要素」として普及させた。[ 52 ] Slate誌によると、「Planet Rock」は「808を世に知らしめたというよりは、ポスト・ディスコ・ダンス・ミュージックの世界全体を808を中心に再構築した」という。[ 53 ] Roland TR-909、TB-303、Juno-60も同様にテクノ、ハウス、アシッドなどのエレクトロニック・ダンス・ミュージックに影響を与えた。[ 54 ] [ 55 ] [ 56 ]

ポストディスコ

1979年半ばから後半にかけて始まった「ディスコ」への反発（米国では社会不安とシカゴでの「ディスコ・デモリション・ナイト」として知られる暴動に発展）に続くポスト・ディスコ時代において、[13]東海岸では「根本的に異なるサウンド」[14]を特徴とする「簡素化された」ディスコ風音楽のアンダーグラウンド・ムーブメントが出現し始めた。[15] [注 1]この新しいシーンは主にニューヨーク都市圏で見られ、当初はディスコ文化の過度な商業化とそれに続く衰退に反発する都会の現代アーティストたちによって牽引された。出現したサウンドは、ディスコのエレクトロニック・サイドであるPファンク[18]、ダブ・ミュージック、その他のジャンルに端を発していた。この時期に制作された音楽の多くは、ディスコと同様に、シングル盤中心の市場をターゲットとしていた。[14]この時期、クリエイティブ・コントロールは独立系レコード会社、あまり知られていないプロデューサー、クラブDJへと移行し始めた。[14]ポストディスコ時代に人気が出始めた他のダンススタイルには、ダンスポップ、[19] [20]ブギー、[14]エレクトロ、ハイエナジー、イタロディスコ、ハウス、[19] [21] [ 22] [23]テクノなどがあります。[22] [24] [25] [26] [27]

エレクトロ

エレクトロの合成されたプログラムされたドラムビートを提供する楽器、Roland TR-808ドラムマシン。

1980年代初頭、エレクトロ（「エレクトロ・ファンク」の略）は、シンセポップ、ファンク、ブギーの融合として登場しました。エレクトロ・ファンクやエレクトロ・ブギーとも呼ばれ、後にエレクトロと短縮されました。先駆者としては、坂本龍一、アフリカ・バンバータ、[ 57 ]ザップ、[ 58 ] D.トレイン、[ 59 ]シナモンなどが挙げられます。[ 59 ]初期のヒップホップやラップは、ジョルジオ・モロダー、ダン・ラックスマン（テレックス）、イエロー・マジック・オーケストラなどのヨーロッパと日本のエレクトロポップの影響が融合し、エレクトロの誕生を促しました。[ 60 ]電子音が発達するにつれて、ベースギターやドラムなどの楽器はシンセサイザーに、そして最も顕著なのはローランドTR-808とヤマハDX7などの象徴的なドラムマシンに置き換えられました。[ 61 ] TR-808の初期の使用例としては、1980年の坂本龍一の「Riot in Lagos」、[ 47 ] 1980年から1981年にかけてのイエロー・マジック・オーケストラのいくつかの曲、1982年のアフリカ・バンバータの曲「 Planet Rock」 、マーヴィン・ゲイの1982年の曲「Sexual Healing 」などがある。[ 62 ] 1982年、プロデューサーのアーサー・ベイカーはアフリカ・バンバータと共同で、イエロー・マジック・オーケストラ（坂本龍一 - Riot In Lagos 1980）の影響を受け、TR-808でドラムビートを提供した、影響力のある「Planet Rock」をリリースした。「Planet Rock」に続き、同年後半にはワープ9によるもう一つの画期的なエレクトロニック・レコード「 Nunk」がリリースされた。 1983年、ハシムは「アル・ナーフィーシュ（ザ・ソウル）」 [ 57 ]でエレクトロ・ファンク・サウンドを生み出し、ハービー・ハンコックに影響を与え、同年のヒットシングル「ロキット」を生み出した。1980年代初頭はエレクトロが主流のピークを迎えた時期だった。作家のスティーブ・テイラーによると、 [ 63 ] アフリカ・バンバータの『プラネット・ロック』は「それ以降のあらゆる興味深いダンスミュージックのテンプレート」となっている[ 63 ] 。

ハウスミュージック

1980年代初頭、シカゴのラジオDJであるザ・ホット・ミックス5やクラブDJのロン・ハーディー、フランキー・ナックルズは、古いディスコレコード（主にフィリー・ディスコやサルソウル[ 64 ]の曲）、イタロ・ディスコ、アフリカ・バンバータなどのアーティストによるエレクトロ・ファンクの曲[ 65 ]、新しいイタロ・ディスコ、マン・パリッシュ、ジェリービーン・ベニテス、アーサー・ベイカー、ジョン・ロビーによるB-Boyヒップホップ、ジョルジオ・モロダーやイエロー・マジック・オーケストラによるエレクトロニック・ポップなど、様々なスタイルのダンスミュージックを演奏していた。中には、お気に入りの曲をオープンリールテープに独自に編集して演奏したり、エフェクトやドラムマシン、その他のリズミカルな電子楽器を混ぜたりする者もいた。 1984年にシカゴのDJジェシー・サンダースがプロデュースし、ヴィンス・ローレンスが共同作詞した催眠的なエレクトロニックダンスソング「On and On」には、ローランドTB-303ベースシンセサイザーやミニマルボーカル、ローランド（具体的にはTR-808）ドラムマシン、コルグ（具体的にはPoly-61）シンセサイザーなど、初期のハウスサウンドの定番となった要素が含まれていた。

「オン・アンド・オン」は「最初のハウス・レコード」として挙げられることもあるが[ 66 ] [ 67 ]、同時期にリリースされたJMシルクの「ミュージック・イズ・ザ・キー」（1985年）なども例として挙げられている。[ 68 ]ハウス・ミュージックは急速にアメリカのニューヨーク、ニューアーク、デトロイトなどの都市に広がり、各都市で独自の地域シーンが形成された。1980年代半ばから後半にかけて、ハウス・ミュージックはヨーロッパ、南米の主要都市、オーストラリアでも人気を博した。[ 69 ]シカゴ・ハウスは、ハウス・マスター・ボーイズとルード・ボーイ・オブ・ハウスの「ハウス・ネイション」（1987年）などのリリースにより、ヨーロッパで商業的な成功を収めた。これに続いて、M|A|R|R|Sの「 Pump Up The Volume」（1987 年）、S'Express の「Theme from S'Express」 （1988 年）、 Coldcutの「 Doctorin' the House」 （1988 年）など、ハウスにインスパイアされた数多くのリリースがポップ チャートに登場しました。

チャランジット・シンの『シンセサイジング：10のラーガからディスコビートへ』 （1982年）は、インドのラーガをディスコスタイルで演奏したアルバムで、その電子楽器と最小限のアレンジはアシッドハウスミュージックのサウンドを先取りしていたが、21世紀にアルバムが再発見されるまで、このジャンルに何らかの影響を与えたとは知られていない。[ 70 ] [ 71 ] [ 72 ]

テクノ、アシッドハウス、レイブ

Roland TB-303 :アシッドハウスでよく使われていたベースラインシンセサイザー。

1980年代、デトロイトのDJ、フアン・アトキンス、デリック・メイ、ケビン・サンダーソンは、後にテクノと呼ばれる新しい音楽スタイルの基礎を築きました。彼らは、シカゴ・ハウスの影響を受けたエレクトロニックと、デトロイト（モータウンを含む）の影響を受けたファンクサウンドを、ポスト工業都市の機械的な雰囲気と融合させ、四分音符のキックドラムと、二分音符、四分音符、あるいは八分音符のスネアまたはハイハットで駆動する四つ打ちのテクノサウンドを生み出しました。

1980年代半ば、スペインのバレアレス諸島にある小さな島、イビサ島ではハウスミュージックが盛んに行われました。バレアリックサウンドは当時、島から生まれた音楽の精神でした。古いビニールレコードのロック、ポップ、レゲエ、ディスコのレコードと「何でもあり」の雰囲気が融合し、イビサ島はドラッグに誘発された音楽実験の中心地となりました。[ 73 ]バレアリックハウスの先駆者であるアルフレド・フィオリートがレジデントDJを務めるクラブ、アムネシアがシーンの中心でした。[ 74 ]アムネシアはヨーロッパ全土で知られるようになり、1980年代半ばから後半にかけては大陸全土から人々が集まるようになりました。[ 75 ]

1988年までに、ハウスミュージックはヨーロッパで最も人気のあるクラブミュージックの形態となり、同年にはイギリスとドイツでアシッドハウスが注目に値するトレンドとなった。 [ 76 ]イギリスでは、イギリスのアフリカン-カリビアンサウンドシステムシーンを中心とした倉庫パーティーのサブカルチャーが確立し、ダンスミュージックだけをフィーチャーしたアンダーグラウンドのアフターパーティーを活気づけた。また1988年には、イビサのDJアルフレドと関連のあるバレアリックパーティーの雰囲気がロンドンに持ち込まれ、ダニーランプリングとポールオークンフォールドがそれぞれクラブシュームとスペクトラムをオープンした。両方の場所はアシッドハウスと同義になり、この時期にMDMAがパーティードラッグとして注目を集めた。その他の重要なイギリスのクラブには、リーズのバック・トゥ・ベーシックス、シェフィールドのリードミルとミュージックファクトリー、マンチェスターのハシエンダなどがあり、マンチェスターのマイク・ピカリングとグレアム・パークのスポットヌードはアメリカのアンダーグラウンドダンスミュージックの重要な実験場となった。[注 1 ] [ 77 ]ハウスとアシッドハウスの成功はデトロイトテクノへの道を開いた。このスタイルは当初シカゴ、ニューヨーク、イングランド北部のいくつかのハウスミュージッククラブで支持され、後にデトロイトのクラブも追いついた。[ 78 ] 「テクノ」という用語は、 1988年に10レコード/ヴァージンレコードのコンピレーションアルバム「テクノ：デトロイトのダンスサウンド」が発売された後に初めて使われた。 [ 79 ]

デトロイト出身の作品で最初に広く注目を集めた作品の一つが、デリック・メイの「ストリングス・オブ・ライフ」（1987年）で、この曲はメイの前作「ヌード・フォト」（1987年）と共に、1987年から1988年のハウスミュージックブーム（セカンド・サマー・オブ・ラブ参照）の際、ヨーロッパ、特にイギリスとドイツでテクノの知名度を高めるのに貢献した。[ 80 ]この曲はメイの最も有名な曲となり、フランキー・ナックルズによると「爆発的にヒットした。初めて聴いた時に人々が感じたパワーとエネルギーは、想像を絶するものだった。マイク・ダンは、ベースラインのないレコードをどうして人々が受け入れるのか、全く理解できないと言っている」という。[ 81 ]イギリス人DJマーク・ムーアによると、「ストリングス・オブ・ライフ」がロンドンのクラブ客にハウスミュージックを受け入れるきっかけを作ったという。「だってほとんどの人がハウスミュージックを嫌っていて、レアグルーヴとヒップホップばかりだったから…マッド・クラブで「ストリングス・オブ・ライフ」をかけると、フロアは空っぽになったよ」。[ 82 ] [注2 ] 1980年代後半になると、クラブシーンではハウス、アシッドハウス、テクノへの関心が高まり、イギリスでは午前2時に閉店するMDMA漬けのクラブ客は、夜通しのウェアハウスパーティーでアフターアワーズの逃避先を求めるようになった。1年も経たないうちに、1989年の夏には、一度に最大2万5000人がレイブと呼ばれる商業的に運営されるアンダーグラウンドパーティーに参加するようになった。[ 1 ]

1990年代

トランス

トランスは1980年代後半にイギリスのレイブシーンから生まれ、1990年代初頭にドイツでさらに発展し、テクノやハウスから派生したよりメロディアスな音楽としてヨーロッパ全土に広まりました。ヨーロッパでトランスミュージックが発展するのと同時に、このジャンルはインドのゴア州でも人気を集めていました。[ 84 ]トランスは主にインストゥルメンタル ですが、ボーカルが混ざることもあります。典型的にはメゾソプラノからソプラノの女性ソロリストによって演奏され、伝統的なヴァース/コーラス構造がない場合が多いです。トランスミュージックにおける構造化されたボーカル形式は、ボーカルトランスというサブジャンルの基礎を形成しており、「壮大で高揚感があり、オペラ的」で「シンセサイザーの間に漂う優美な女性リード」と表現されています。[ 85 ] [ 86 ]トランスミュージックは、アシッドトランス、クラシックトランス、ハードトランス、プログレッシブトランス、[ 87 ]アップリフティングトランスなど、いくつかのサブジャンルに分かれています。[ 87 ]アップリフティングトランスは、「アンセムトランス」、「エピックトランス」、「コマーシャルトランス」、「スタジアムトランス」、「ユーフォリックトランス」とも呼ばれ、 [ 88 ] 1990年代[ 87 ]と2000年代にはフェリー・コーステン、アーミン・ヴァン・ブーレン、ティエスト、プッシュ、ランク1などの著名なアーティストによってクラシック音楽から強い影響を受けており、現在ではアンディ・ブルーマン、チーロ・ヴィゾーネ、サウンドリフト、アークティック・ムーン、セルゲイ・ネヴォン&サイモン・オシャインなどのアーティストによって「オーケストラアップリフティングトランス」または「シンフォニックオーケストラによるアップリフティングトランス」というサブジャンルが発展しています。アップリフティングトランスと密接に関連しているのはユーロトランスで、これは高度に商業化されたヨーロッパのさまざまなダンスミュージックの総称となっています。いくつかのサブジャンルは、他の主要なエレクトロニックミュージックのジャンルとクロスオーバーしています。例えば、テックトランスはトランスとテクノを融合させたものであり、ボーカルトランスは「（トランスの）プログレッシブ要素とポップミュージックを組み合わせたもの」です。[ 87 ]ドリームトランスというジャンルは1990年代半ばに誕生し、当時はロバート・マイルズが人気を牽引しました。

AllMusicはプログレッシブ・トランスについて次のように述べている。「トランスはそもそもチャートで大きな反響を呼んだことがなかったため、トランスのプログレッシブ派は、より商業的でチャート志向のサウンドへと直接的に移行した。ユーロダンスやハウスのよりスムーズなサウンド（そして時にはベースメント・ジャックスよりもジャン＝ミシェル・ジャールを彷彿とさせるもの）を強調したプログレッシブ・トランスは、2000年代末までに世界中のダンスフロアのサウンドとなった。批評家たちは、予測可能なブレイクダウンへのこだわりや、ビートミックスのスキル不足を嘲笑したが、プログレッシブ・トランスは最も人気のDJによって打ち負かされた。」[ 89 ]

ブレイクビーツ、ハードコア、ジャングル、ドラムンベース

1990年代初頭までに、レイブシーンにおいて、アメリカのハウスやテクノとは異なる独自の音楽スタイルが確立されました。この音楽は、それ以前のヒップホップと同様に、サンプリングされたシンコペーションビートやブレイクビーツ、様々な音楽ジャンルからのサンプリング、そして時折、映画やテレビ番組の音楽、セリフ、効果音のサンプリングを組み合わせました。ハウスやテクノといった初期のダンスミュージックスタイルと比較すると、いわゆる「レイブミュージック」はベースサウンドを強調し、より速いテンポ、つまりBPM（ 1分間あたりの拍数）を使用する傾向がありました。このサブジャンルは「ハードコア」レイブとして知られていましたが、1991年という早い時期から、ハイテンポのブレイクビーツ、重厚なベースライン、そして古いジャマイカ音楽のサンプリングを組み合わせた楽曲の一部は、「ジャングルテクノ」と呼ばれていました。これはジャック・スムースとベースメント・レコードの影響を受けたジャンルで、後に「ジャングル」という名称が定着し、イギリスのレイブや海賊ラジオで人気の独立した音楽ジャンルとして認知されるようになりました。ドラムンベースの歴史を語る上で重要なのは、ジャングル以前のレイブミュージックは、より速く、より実験的になっていたということです。

1994年までに、ジャングルは主流の人気を集め始め、この音楽のファン（しばしばジャングリストと呼ばれる）は若者のサブカルチャーのより目立つ存在となった。このジャンルはさらに発展し、ラガマフィンサウンド、ダンスホール、MCチャント、ダブのベースライン、ますます複雑で重く編集されたブレイクビーツパーカッションなど、既存の音楽ジャンルの幅広い要素を取り入れ、融合した。エクスタシーに満ちたレイブシーンとの関連があるにもかかわらず、ジャングルは、イギリスのヒップホップシーンに影響を与えたギャング文化と、ジャングルのしばしば攻撃的または威嚇的なサウンドと暴力のテーマ（通常はサンプルの選択に反映されている）の両方の結果として、暴力や犯罪行為との関連も受け継いでいる。しかし、これは、より広範なレイブシーンと、ロンドンで普及しているダンスホールを基盤としたジャマイカの音楽文化の一部としての音楽の多くの場合肯定的な評価と並行して発展した。 1995年までに、この文化的分裂への反応としてか、あるいは独立してか、一部のジャングルプロデューサーはラガの影響を受けたスタイルから離れ、便宜上ドラムンベースと総称されるものを作り始めました。[ 90 ]

21世紀

ダブステップ

ダブステップは、1990年代後半に南ロンドンで生まれたエレクトロニック・ダンス・ミュージックのジャンルです。一般的に、まばらでシンコペーションされたリズムパターンと、サブベース周波数が顕著なベースラインが特徴です。このスタイルは、 2ステップ、ダブ・レゲエ、ジャングル、ブロークン・ビーツ、グライムといった関連スタイルの系譜を受け継ぎ、UKガレージから派生して生まれました。[ 91 ] [ 92 ]イギリスでは、このジャンルの起源は、1980年代初頭のジャマイカのサウンドシステム・パーティーシーンの成長にまで遡ることができます。 [ 92 ] [ 93 ]

最も初期のダブステップのリリースは1998年に遡り、通常は2ステップ・ガレージのシングルのB面としてリリースされていました。これらのトラックは、ボーカルをあまり強調せず、よりダークで実験的なリミックスで、ブレイクビーツやドラムンベースの要素を2ステップに取り入れようと試みていました。2001年、ロンドンのナイトクラブPlastic Peopleの「Forward」（FWD>>と表記されることもある）で、このジャンルをはじめとするダーク・ガレージ・ミュージックが紹介・宣伝され始め、このイベントは後にダブステップの発展に影響を与えたとされています。「ダブステップ」という用語が音楽ジャンルを指すようになったのは2002年頃で、Big Apple 、Ammunition、Tempaなどのレーベルによって使われ始めました。この頃には、これらのリミックスに用いられるスタイルのトレンドがより顕著になり、2ステップやグライムとは区別されるようになっていきました。[ 94 ]

エレクトロハウス

エレクトロ・ハウスは、ハウスミュージックの一種で、目立つベースラインやキックドラムと、1分間に125から135拍（通常は128）のテンポが特徴である。 [ 95 ] [ 96 ] [ 97 ]その起源はエレクトロの影響を受けており、この用語は、ディミトリ・ベガス・アンド・ライク・マイク、ハードウェル、スクリレックス、[ 98 ] [ 99 ]スティーブ・アオキなど、多くのDJ Magトップ100 DJの音楽を説明するために使用されている。[ 100 ]イタリアのDJ、ベニー・ベナッシは、2002年にリリースされたトラック「Satisfaction」で、エレクトロ・ハウスを主流に押し上げた先駆者と見なされている。[ 101 ] 2000年代半ばまでにエレクトロハウスの人気が高まり、2005年にはスタジオBの「I See Girls」のトム・ネヴィル・リミックス（全英11位）などのヒット曲が生まれた。2006年11月には、フェデ・ル・グランによるエレクトロGQハウスのトラック「 Put Your Hands Up for Detroit」と、ボディロックスとルシアナによる「Yeah Yeah 」のD・ラミレス・リミックスが、それぞれ全英トップ40シングルチャートで1位と2位を獲得した。[ 102 ]それ以来、 Feed Me、ナイフ・パーティー、ザ・M・マシーン、ポーター・ロビンソン、中田ヤスタカ[ 103 ]、ダダ・ライフなどのエレクトロハウスのプロデューサーが登場した。

ビッグルームハウスは、2010年代半ばに登場したエレクトロとプログレッシブハウスのサブジャンルであり、シンプルなメロディーとドロップ、アリーナや野外フェスティバルなどの大規模な会場に適したサウンドデザインが特徴です。[ 104 ] [ 105 ] [ 106 ]

EDMトラップミュージック

トラップミュージックは、テクノ、ダブ、ダッチハウスから派生しただけでなく、 2000年代後半から2010年代初頭にかけてのサザンヒップホップの派生種からも生まれました。この形態のトラップミュージックは、以下の3つの特徴で簡単に説明できます。「1/3ヒップホップ（テンポと曲構成は似ており、ほとんどのトラックは通常70～110bpm） - ボーカルのピッチダウンが見られることもある。1/3ダンスミュージック - ハイピッチのダッチシンセ、ハードスタイルのサンプリング、そして人気のEDMソングのトラップリミックスが多数存在する。1/3ダブ（低音域に重点を置き、曲全体を通して反復性を強調）」。[ 107 ]このジャンルを普及させたアーティストの中には、2014年にリリースされた「Core」と「Scylla」のRLグライム、 2015年にリリースされたアルバム「Hdynation Radio」のフロストラダムス、 2012年にリリースされた「Turn Up」のカーネイジといったプロデューサーがいます。 [ 107 ]この意味でのトラップミュージックは、「ソウルフルなシンセ、808、パンフルート、鋭いスネア、そして長くシロップのようにスラーで繋がれた母音」が特徴で、ダーティーでアグレッシブなビートを生み出し、「ダークなメロディー」を生み出しました。現在、トラップは主に既存曲のリミックスを作成するために使用されています。[ 108 ] [ 107 ]

アフロEDM

アフロEDMは、伝統的なアフリカ音楽の要素とエレクトロニックダンスミュージックを融合させた、アフリカのエレクトロニックダンスミュージックのジャンルとスタイルを表しています。様々なアフリカのリズム、楽器、ボーカルスタイルを取り入れ、現代のEDM制作技術と融合させています。アフロEDMは何十年も前から存在していましたが、アフリカのEDMが真に繁栄し始めたのは21世紀のテクノロジーの出現によってのみでした。現代の人気のあるミレニアムアフロEDMのジャンルとスタイルは、ゴム（南アフリカ）とアフロビート（ナイジェリア）のジャンルに見られます。ウガンダやコンゴ民主共和国（テクノ・キントゥエニ）など、他のアフリカ諸国にも音楽シーンが存在します。[ 109 ]

アフロビート

ポンポン（ADM、アフリカン・ダンス・ミュージックとも呼ばれる）は、2018年頃にナイジェリアで誕生し、EDMの影響に加え、アフロビート、ナイジェリア・アフロポップ、ダンスホール、ハイライフといった音楽ジャンルが混ざり合ったものです。その派生形として、2020年代に誕生したナイジェリア・アフロEDMがあり、アフロビート、ナイジェリア・アフロハウス、アフロエレクトロといった音楽ジャンルが融合しています。[ 110 ] [ 111 ]

グコム

ゴムは、2009年から2010年頃にダーバンで、地元のレコードプロデューサーたちの先駆的な努力によって誕生しました。ゴムはテクノ、ブロークンビーツ、ハウスミュージックの要素を融合しています。伝統的なハウスミュージックとは異なり、ゴムは典型的な4つ打ちのリズムを避けています。ゴムはEDMとハウスミュージックの両方に分類され、多様な制作技術とバリエーションが特徴です。[ 109 ] [ 112 ] [ 113 ] [ 114 ] [ 115 ] [ 116 ]

リディム

リディムEDMは、2010年代初頭にダブステップのサブジャンルとして誕生し、ジャマイカのダンスホールミュージックの反復的な楽器パターンに大きく影響を受けています。「リディム」という用語は、ダブステップアーティストのジェイクスによって2012年頃に造語され、トラック全体を通して繰り返される単一のキャッチーなベースラインに焦点を当てた、この新しいミニマリストスタイルを表現しています。[ 117 ]

用語

1980年、イギリスのプロデューサー、リチャード・ジェームズ・バージェスと彼のバンド、ランドスケープは、シングル「ヨーロピアン・マン」のジャケットで「エレクトロニック・ダンス・ミュージック…EDM。聴く人の喜びのために完璧にプログラムされたコンピュータ」という言葉を使った。ニューロマンティックという用語の創始者かどうかという質問に対し、バージェスは次のように答えている。「当初、私はフューチャリスト、エレクトロニック・ダンス・ミュージック（ランドスケープのシングルにはEDMと印刷されている）、そしてニューロマンティックの3つの用語を使っていました。」[ 118 ] [ 119 ]

ガーディアン紙の音楽ジャーナリスト、アレクシス・ペトリディスは、イギリスのDJ兼音楽ジャーナリストのジェームズ・ハミルトンがEDMという用語を作ったと主張したが、その日付については言及していない。[ 120 ]

ジャーナリストのサイモン・レイノルズはガーディアン紙に寄稿し、2000年代後半にアメリカの音楽業界がEDMという用語を採用したのは、アメリカの「レイブ・カルチャー」を再構築し、1990年代のレイブ・シーンと区別しようとする試みだったと指摘した。この時代はエレクトロニック・ミュージックの時代と評され、MixMagの記事では「ドロップ・ヘヴィで、スタジアムを埋め尽くし、拳を突き上げ、チャートのトップを飾り、非常に商業的なメインステージ・サウンドがアメリカを席巻した…おそらくエレクトロとプログレッシブ・ハウスの中間あたりに位置し、マイケル・ベイ監督によるもので、多くの音楽ジャンルと同様に、それを正確に定義しようとするのは、まるで握りこぶし一杯の水を掴むようなものだ」と評されている[ 121 ] 。イギリスでは、「ダンス・ミュージック」または「ダンス」がEDMの一般的な用語となっている[4] 。 「クラブ・ミュージック」として広く認識されているものは、時代とともに変化し、現在では様々なジャンルを含み、必ずしもEDMを包含するわけではない。同様に、「エレクトロニック・ダンス・ミュージック」も人によって意味が異なっている。 「クラブミュージック」と「EDM」はどちらも曖昧な表現に思えますが、これらの用語は時に全く異なるジャンルを指すために使われます（クラブミュージックは人気度によって定義され、EDMは音楽的特徴によって区別されます）。[96]ビルボードは1974年に「ダンス」チャートを導入しましたが、アメリカの音楽業界全体が音楽チャートを作成したのは1990年代後半になってからでした。 [93] 1995年7月、ナーバス・レコードとプロジェクトXマガジンは「エレクトロニック・ダンス・ミュージック・アワード」と名付けた最初の授賞式を開催しました。[注 4]

生産

コンピューター、オーディオ インターフェイス、さまざまな MIDI 楽器を備えた EDM 制作用の典型的なホーム スタジオセットアップ。

エレクトロニック・ダンス・ミュージックは、一般的にサンプラー、シンセサイザー、エフェクト・ユニット、MIDIコントローラーなどの専用機器がMIDIプロトコルを使用して相互に連携するように設定されたレコーディング・スタジオで作曲・制作される。このジャンルの黎明期には、ハードウェアの電子楽器が使用され、制作では主にオーディオ信号の操作ではなくMIDIデータの操作に重点が置かれていた。1990年代後半以降、ソフトウェアの使用が増加した。現代のエレクトロニック・ミュージック制作スタジオは、一般的にデジタル・オーディオ・ワークステーション（DAW）を実行するコンピューターと、 MIDIキーボードなどのMIDIコントローラーで制御されるソフトウェア・シンセサイザーやエフェクト・ユニットなどのさまざまなプラグインで構成される。このセットアップは通常、作品全体を完成させるのに十分であり、その後マスタリングの準備が整う。[ 122 ]

ゴーストプロダクション

ゴースト・プロデューサーとは、ビジネス契約に基づいて雇われた音楽プロデューサーで、他のDJ/アーティストのために楽曲をプロデュースし、その楽曲を自身の楽曲としてリリースする人物のことです。 [ 123 ]通常、ゴースト・プロデューサーは、楽曲の制作者であることを明かさない契約を結んでいます。[ 124 ]ゴースト・プロデューサーは、作品に対して少額の報酬またはロイヤリティを受け取り、名声のプレッシャーや国際的に有名なDJのようなライフスタイルを避け、自分の好みに合わせて仕事をすることができます。[ 123 ]ゴースト・プロデューサーは、著名なDJやプロデューサーと知り合いになることで、音楽業界での知名度を高めることができます。 [ 123 ]マーティン・ギャリックスやポーター・ロビンソンのようなプロデューサーは、他のプロデューサーのゴースト・プロデュースでよく知られています。一方、デヴィッド・ゲッタやスティーヴ・アオキは、ゴースト・プロデューサーを楽曲に起用していることで知られています。一方、ティエストのようなDJは、非難を回避し、透明性を保つために、プロデューサーを公にクレジットしています。[ 125 ]

多くのゴーストプロデューサーは、他の誰かのために働いたり、ソロアーティストとして活動したりすることを禁じる契約を結んでいます。[ 126 ]このような秘密保持契約は、ゴーストプロデューサー、特に10代のプロデューサーは音楽業界を理解していないため、しばしば略奪的であると指摘されています。[ 126 ]ロンドンのプロデューサー、マット・ゾーは、ゴーストプロデューサーを雇うDJは「自分の音楽を作っているふりをして、私たち実際のプロデューサーを苦労させている」と主張しています。[ 127 ]

ベッドルームの演出

ベッドルーム・プロデューサーとは、ノートパソコンや自宅スタジオで電子音楽を制作する独立したミュージシャンのことです。従来のレコーディングスタジオとは異なり、ベッドルーム・プロデューサーは通常、安価で入手しやすいソフトウェアや機材を使用するため、外部ハードウェアを必要とせず、完全に「イン・ザ・ボックス」で音楽制作を行うことができます。[ 128 ]

普及

アメリカ合衆国

当初、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの普及はヨーロッパのレイブやクラブ文化と結び付けられ、米国では一般の注目を集めることは限られていました。1990年代半ばから後半にかけて、アメリカの音楽業界が様々なダンス・ジャンルを「エレクトロニカ」として売り出そうと努力したことで、この状況は変わり始めました。[ 129 ]当時、ザ・プロディジー、ケミカル・ブラザーズ、ファットボーイ・スリム、アンダーワールドなど、イギリスのエレクトロニック・ミュージック・バンドの波は、時期尚早に「アメリカン・エレクトロニカ革命」と結び付けられていました。[ 130 ] [ 131 ]しかし、主流の成功を収めるどころか、多くのEDMアーティストは米国業界の周辺に追いやられました。[ 130 ] 1998年、クラブ・ミュージックのトレンドに大きく影響を受け、イギリスのプロデューサー、ウィリアム・オービットと共同制作したマドンナのアルバム『Ray of Light』は、ダンス・ミュージックをポピュラー音楽リスナーの注目を集めました。[ 132 ] [ 133 ] 1990年代後半、アメリカのメディアがエレクトロニカとして再ブランド化されたダンスミュージックに興味を示したにもかかわらず、アメリカのハウスやテクノのプロデューサーはDJやプロデューサーとしてのキャリアを確立するために海外に渡り続けました。[ 130 ]ニューヨークタイムズのジャーナリスト、ケレファ・サンネによると、アリーヤの2000年のシングル「トライ・アゲイン」は「エレクトロニックダンスミュージックの革新的な技術をアメリカのポップチャートに持ち込むのに貢献した」[ 134 ]

2000年代半ばまでに、オランダ人プロデューサーのティエストは、2004年夏季オリンピックの開会式で選手入場のBGMを提供したことで、EDMに世界的な注目を集めるようになった。このイベントは、ガーディアン紙がダンスミュージックにおける最も重要な50のイベントの1つに選んだ。[ 135 ] 2003年、ダンスミュージックがアメリカのラジオに影響を与えたことで、ビルボードは史上初のダンス/ミックスショーのエアプレイチャートを作成した。[ 136 ] 2005年までに、北米の大衆文化におけるダンスミュージックの重要性が著しく高まった。スピンによると、 2006年のコーチェラでのダフト・パンクのパフォーマンスはEDMの「転換点」となり、このデュオを新世代の「ロックキッズ」に紹介した。[ 130 ]エンターテインメント・ウィークリーが指摘しているように、ジャスティン・ティンバーレイクの「セクシーバック」は、エレクトロニック・ダンス・ミュージックの様々なバリエーションと歌手のR&Bサウンドを融合させ、EDMサウンドをトップ40ラジオに紹介するのに役立ちました。[ 137 ] [ 138 ] 2009年、フランスのハウスミュージシャン、デヴィッド・ゲッタは、ケリー・ローランド（「When Love Takes Over」）、[ 139 ]エイコン（「Sexy Bitch」）、ブラック・アイド・ピーズ（「I Gotta Feeling」）、シーア（「Titanium」）など、他のポップやヒップホップアーティストとのコラボレーションにより、定期的にクロスオーバーヒットを達成し始めました。 [ 140 ] [ 141 ]音楽共有ウェブサイトのSoundCloudと動画共有ウェブサイトのYouTubeも、エレクトロニック音楽への関心を高めるのに貢献しました。ダブステップのプロデューサーであるスクリレックスは、「ブロステップ」と呼ばれるより激しいサウンドを普及させ、それはヘビーメタルの攻撃性や音色と比較されました。[ 3 ] [ 142 ] [ 143 ] [ 144 ]

エレクトロニック・ダンス・ミュージックの人気が高まるにつれ、プロモーターや会場は、DJが従来のミュージシャンよりも大きな利益を生み出せることに気づいた。ディプロは「バンドの演奏時間は45分だが、DJは4時間も演奏できる。ロック・バンドには、3000〜4000人収容の会場で演奏できるヘッドライナーが数人いるが、DJは同じ会場で演奏し、観客を2回も入れ替え、人々は高めの値段で一晩中ドリンクを買う。これは双方にとってメリットがある」と説明した。[ 130 ]ラスベガスのエレクトリック・デイジー・カーニバル（EDC）やマイアミのウルトラ・ミュージック・フェスティバルなどのエレクトロニック・ミュージック・フェスティバルも規模を拡大し、視覚体験や、有名人の地位を獲得し始めたDJに重点を置くようになった。[ 3 ] [ 142 ]アヴィーチーやスウェディッシュ・ハウス・マフィアなど、注目を集めた他の主要アーティストは、クラブで演奏するのではなく、アリーナやスタジアムなどの主要な会場をツアーしました。2011年12月、スウェディッシュ・ハウス・マフィアは、ニューヨーク市のマディソン・スクエア・ガーデンの公演を完売させた最初のエレクトロニック・ミュージック・アーティストとなりました。[ 142 ]

2011年、Spin誌はデヴィッド・ゲッタ、デッドマウス、スクリレックスなどが率いる「新レイブ世代」を宣言した。[ 130 ] 2013年1月、ビルボードは売上、ラジオでのエアプレイ、クラブでのプレイ、オンラインストリーミングに基づいてエレクトロニックソングのトップ50を追跡する、EDMに焦点を当てた新しいダンス/エレクトロニックソングチャートを導入した。[ 145 ] Eventbriteによると、EDMファンはイベントやライブを発見したり共有したりするためにソーシャルメディアを使用する傾向がある。また、ファンの78%が、仲間がイベントに参加する場合は自分もイベントに参加する可能性が高いと回答したのに対し、一般のファンは43%であることもわかった。EDMには若くて社交的なファンが多い。[ 146 ] 2011年後半までに、Music Tradesはエレクトロニックダンスミュージックを世界で最も急速に成長しているジャンルと評した。 [ 147 ] [ 130 ]ラジオやテレビもダンスミュージックの主流化に貢献した。[ 148 ]

米国企業の利益

EDM業界における企業統合は2012年に始まり、特にライブイベントの分野で顕著でした。2012年6月、メディア幹部で現在のLive Nationの創設者であるロバート・F・X・シラーマンは、 SFX EntertainmentをEDMコングロマリットとして再出発させ、EDM事業の買収に10億ドルを投資する計画を発表しました。買収対象には、地域のプロモーターやフェスティバル（Tomorrowlandを主催するID&Tを含む）、マイアミのナイトクラブ運営会社2社、エレクトロニックミュージックに特化したオンラインミュージックストアのBeatportが含まれていました。[ 149 ] [ 150 ] Live NationはCream HoldingsとHard Eventsも買収し、2013年にはEDC主催者のInsomniac Eventsとの「クリエイティブパートナーシップ」を発表しました。これにより、独立した企業でありながら同社のリソースにアクセスできるようになります。[ 151 ] Live NationのCEOであるマイケル・ラピーノはEDMを「[新しい]ロックンロール」と表現しました。[ 129 ] [ 152 ] [ 153 ]

米国のラジオ複合企業iHeartMedia, Inc.（旧Clear Channel Media and Entertainment）もEDMとの連携に力を入れている。2014年1月には、著名なイギリス人DJでBBCラジオ1のパーソナリティであるピート・トンを、自社のダンスラジオブランド「Evolution」の番組制作に起用した[ 154 ]。また、SFXとの提携を発表し、傘下の上位40ラジオ局向けにライブコンサートやEDMに特化したオリジナル番組を共同制作する。iHeartMediaのジョン・サイクス社長は、自社の番組を「EDMにとって最高の目的地」にしたいと述べている[ 155 ] [ 156 ] 。

大手ブランドもEDM現象をミレニアル世代をターゲットとする手段として利用しており[ 157 ] [ 158 ] [ 159 ] [ 160 ]、EDMの楽曲やアーティストがテレビCMや番組で取り上げられることが増えている。[ 161 ]アヴィーチーのマネージャー、アッシュ・ポーヌーリは、これらの慣行を2000年代初頭のヒップホップの商業化になぞらえた。 [ 161 ]ハイネケンはウルトラ・ミュージック・フェスティバルとマーケティング関係を持ち、オランダ人プロデューサーのアーミン・ヴァン・ブーレンとティエストを広告キャンペーンに起用している。アンハイザー・ブッシュはSFXエンターテインメントのイベントのビールスポンサーとして同様の関係にある。[ 161 ] 2014年、7アップは「7x7Up」を開始した。これはデジタルコンテンツ、プロデューサーを起用した広告、ウルトラとエレクトリック・デイジー・カーニバルの両方でのブランドステージを含む、マルチプラットフォームのEDMベースのキャンペーンである。[ 157 ] [ 162 ] [ 163 ]携帯電話事業者T-Mobile USはSFXと契約を結び、同社のイベントの公式携帯電話スポンサーとなり、Above & Beyondと提携して2015年のツアーのスポンサーとなった。[ 158 ]

2015年8月、SFXは価値の下落を経験し始め、[ 164 ] CEOのシラーマンによる非公開化の試みは失敗に終わった。同社は売却につながる可能性のある戦略的代替案を検討し始めた。[ 165 ] [ 166 ] 2015年10月、フォーブスはSFXエンターテインメントの衰退、収益の伸び悩み、フェスティバルの開催やタレントのブッキングにかかる​​費用の増加、そして米国東部と西部におけるフェスティバルの飽和状態を受けて、EDM「バブル」の可能性を指摘した。インソムニアックのCEO、パスクアーレ・ロテラは、業界は「イノベーション」に注力し、新規市場への参入を行うことで、市場全体の財政的不確実性を乗り越えられると感じていた。[ 167 ]人気のEDMへの関心は薄れるだろうという予測にもかかわらず、2015年には米国で55億ポンドの産業規模と推定され、2012年の推定値と比較して60％増加しました。[ 168 ]

SFXは2016年12月、AEG Liveの元幹部ランディ・フィリップスの指揮の下、LiveStyleとして破産から脱却した。[ 169 ] [ 170 ]同社は2018年にライブ音楽資産の売却を徐々に開始し、ロック・イン・リオ（フェスティバルのラスベガス版開催を目指して買収）の株式を売却したほか、[ 171 ] [ 172 ]、その後ID&T [ 173 ] [ 174 ]やReact PresentsなどSFXが所有する他のプロモーターも売却した。[ 175 ]フィリップスは2019年に他のプロジェクトに取り組むためCEOを退任した。[ 176 ]

過度な商業化に対する批判

アメリカでEDMが普及した後、カール・コックス、スティーブ・ローラー、マーカス・シュルツなど多くのプロデューサーやDJが、ダンスミュージックの過度な商業化がDJの芸術に影響を与えていると懸念を表明した。コックスは、新しいEDM DJが採用した「ボタンを押すだけ」のアプローチは、彼が「DJ精神」と呼ぶものを代表するものではないと考えた。[ 142 ] Mixmag誌の記事で、DJのティム・シェリダンは、オートシンクを使い、事前に録音された「明らかなヒット曲」をプレイする「ボタンを押すだけのDJ」が、「見栄え、金、そしてショービジネス」に支配された状況をもたらしたと主張した。[ 177 ]フェスティバルでプレイすることを目的としたシンプルな楽曲（マーティン・ギャリックスの「アニマルズ」などが代表例）を特徴とするEDMのジャンル「ビッグルーム・ハウス」もまた、独創性に乏しい均質化されたサウンドであるという批判に直面した。[ 104 ] [ 105 ] [ 106 ] 2014年5月、NBCのバラエティ番組「サタデー・ナイト・ライブ」は、「When Will the Bass Drop?」と題したデジタルショート で、EDM文化とボタン操作のDJを風刺した。このショートでは、コンピューターゲームをしたり、卵を焼いたり、集金したりといった日常的な行動をとっているDJが、巨大な「BASS」ボタンを押すと、コンサート参加者の頭が爆発するという内容だった。[ 178 ] [ 179 ] [ 180 ]

一部のハウスプロデューサーは、「商業的な」EDMにはさらなる差別化と創造性が必要であることを公然と認めた。2013年のアルバム「True」にリードシングル「 Wake Me Up 」などのブルーグラスの要素を取り入れた曲を収録したアヴィーチーは、ほとんどのEDMには「寿命」がないと述べた。[ 181 ]デッドマウスは人気EDMの均質化を批判し、「どれも同じように聞こえる」と述べた。2014年のウルトラミュージックフェスティバルで、デッドマウスは新進気鋭のプロデューサー、マーティン・ギャリックスについて批判的なコメントをし、後にギャリックスの「Animals」を「Old McDonald Had a Farm」のメロディーにリミックスした編集版を演奏した。その後、ティエストはTwitterでデッドマウスがアヴィーチーの「Levels」と自身の「Ghosts 'n' Stuff」（健康上の問題によりフェスティバルのスケジュールでアヴィーチーの代役に急遽抜擢されたこと）を「皮肉にも」ミックスしたと批判し、デッドマウスは曲を「皮肉にも」演奏するということは「シンクボタンを押しながら冷笑する」ことを含むのかと質問した。 [ 182 ] [ 183 ]​​ [ 184 ] [ 185 ]

ポーター・ロビンソンもまた、商業的なEDMを批判した人物の一人であり、EDMは芸術性よりも「エンターテイメント」を重視していると考え、ダンスミュージックやDJ向けの楽曲を作ろうとすることで自身の音楽の質が損なわれていると感じていた。2014年8月、彼はスタジオアルバム『Worlds』をリリースした。このアルバムでは、これまでのEDM志向の楽曲から方向転換し、ビデオゲームミュージック、ニューウェーブ、エレクトロポップの要素を取り入れた雰囲気のある楽曲を収録した。[ 186 ] [ 187 ]後期のアルバム『Nurture』と『Smile! :D』は、エレクトロニックミュージックからのさらなる脱却を反映しており、前者はインディーポップを基調としたサウンド、[ 188 ] [ 189 ]後者はポップパンクやハイパーポップの影響を受けていた。[ 190 ]

アメリカのポピュラーEDM市場は、長年にわたる急成長の後、一部のプロデューサーが「ビッグルーム」サウンドから脱却し始めた2016年に衰退し始めました。この動向は、デヴィッド・ゲッタとショウテックという2人のDJが、2016年4月にリリースされたテクノ風のシングル「EDMの死」で直接的に言及しています。 [ 191 ] 2010年代末までに、主流のポピュラー音楽におけるEDMの支配的な地位は、他のスタイルに取って代わられ、停滞し始めました。[ 121 ] [ 192 ]

国際的

2015年5月、国際音楽サミット（IMS）のビジネスレポートは、世界のエレクトロニックミュージック産業の価値が約69億ドルに達したと推定しました。この数字には、楽曲販売、イベント収入（ナイトクラブやフェスティバルを含む）、DJ機器およびソフトウェアの販売、その他の収入源が含まれています。また、レポートでは、東アジア、インド、南アフリカなど、主に国内、米国、欧州からの投資によるエレクトロニックダンスミュージックの新興市場がいくつか特定されています。また、多くの主要フェスティバルがラテンアメリカへの進出を開始しました。[ 193 ]

西アフリカのガーナでは、Djskyというアーティストが2015年から現在までEDMを紹介し、Hey Ibiza、Sunset music Festival、Sky showなどの成功したフェスティバルやイベントを企画しました。 [ 194 ] [ 195 ] [ 196 ] [ 197 ] WatsUp TVのインタビューで、Djskyはガーナの音楽にエレクトロニックミュージックダンスを紹介した最初の人物であると明かしました。[ 198 ] [ 199 ]

エチオピアでは、 2018年にロフナンという若いアーティストがEDMのサウンドを伝統的なリズムとメロディーに取り入れてブレイクして以来、EDMは主流の音楽の一部となっている。[ 200 ]彼のショーでは、全国のスタジアムが何万人もの若者で埋め尽くされ、ラジオでもこの新興ジャンルが流れるようになった。[ 201 ] [ 202 ]

中国市場は、EDMが当初は比較的浸透していなかった市場です。プロモーターたちは、インストゥルメンタル音楽が比喩的な言語の壁を取り除くと考えていましたが、他の地域と同様に中国には目立ったレイブ文化が存在せず、また中国国内のポップミュージックが海外アーティストよりも人気があったため、EDMの成長は阻害されました。元ユニバーサルミュージック幹部のエリック・ゾウは、アメリカのEDMの成長に触発され、中国におけるエレクトロニックミュージックへの最初の大規模な投資を行いました。具体的には、2013年に上海で初開催されたStormフェスティバルの開催、アンハイザー・ブッシュ傘下のバドワイザーブランドとのタイトルスポンサー契約の締結、地元の才能発掘、そしてアヴィーチーや王力宏の「Lose Myself」といった中国人シンガーとEDMプロデューサーのコラボレーションの企画などが挙げられます。その後数年間で、中国ではEDMイベントがますます多く開催されるようになり、Storm自体も2014年には初開催年よりも多くのプレパーティーが開催されました。 2015年10月に開催された第1回国際音楽サミット・チャイナで発表された新たな報告書によると、中国のEDM業界は緩やかな成長を遂げており、イベント数の増加（モダン・スカイやインヤンといった新たな主要フェスティバル・ブランドを含む）、国内のエレクトロニック・ミュージック売上の6%増加、そして市場全体の規模の大きさなどが挙げられている。周氏はまた、中国の「現場主義的な」政治環境と、中国による文化イベントへの投資が、中国におけるEDMの成長を「促進」するのに役立っていると考えている。[ 203 ] [ 204 ]

社会への影響

フェスティバル

2013年にオーストリアのプレインフェルトで開催されたEDMフェスティバルには10万人以上の参加者が集まり、[ 205 ] 2000年代初頭からこのようなイベントで一般的になっている大観衆とドラマチックな照明が披露されました。[ 3 ]

1980年代には、倉庫、放棄された航空機格納庫、野原、その他の大きなオープンスペースなどの秘密の場所で開催される違法なアンダーグラウンド レイブ パーティーで、エレクトロニック ダンス ミュージックがよく演奏されていました。1990年代から2000年代にかけて、1980年代から1990年代初頭のアンダーグラウンドレイブカルチャーの側面が、合法で組織化された EDM コンサートやフェスティバルへと進化し始めました。主要なフェスティバルでは、多くの場合、複数のステージにまたがって、さまざまな EDM ジャンルを代表する多数のアーティストが出演します。フェスティバルでは、全体的な体験の一部として、背後にあるテーマを伴う精巧なステージ デザイン、複雑な照明システム、レーザー ショー、花火など、視覚的なスペクタクルをより重視するようになりました。レイブファッションも参加者の間で進化を遂げ、ガーディアン紙は1990年代の「キャンディ・レイバー」から「ベニス・ビーチとシルク・ドゥ・ソレイユ、ウィリー・ウォンカ、ゲイ・プライド・パレードを合わせたような、洗練されていてセクシーでありながらキッチュでシュールなイメージ」へと進化したと評した。[ 3 ] [ 142 ] [ 162 ]これらのイベントは、大規模な会場で開催されることが多く、参加者の健康と安全を確保するための対策が講じられているという点で、アンダーグラウンド・レイブとは異なっていた。[ 206 ] MTVのローリー・ボーンスタインはエレクトロニック・ミュージックを「新しいロックンロール」と表現し、[ 207 ]ロラパルーザの主催者ペリー・ファレルも同様の表現をしている。[ 208 ]

スペクトラム・ダンス・ミュージック・フェスティバル、2016

ビルボードのレイ・ワデルは、フェスティバルのプロモーターがブランディングで素晴らしい仕事をしたと指摘した。[ 207 ]大規模なフェスティバルは開催都市にプラスの経済的影響を与えることがわかっている。[ 206 ] 2014年のウルトラ・ミュージック・フェスティバルは、マイアミ/南フロリダ地域の経済に16万5千人の参加者と2億2千3百万ドル以上の経済効果をもたらした。[ 163 ]ベルギーのトゥモローランド・フェスティバルの米国版であるトゥモローワールドの初開催版は、アトランタ地域に8,510万ドルをもたらした。これは、今年初めに開催されたNCAAファイナル・フォー（ NCAAディビジョンI男子バスケットボールトーナメントの準決勝と全国選手権）の収益に匹敵する。 [ 209 ] EDCラスベガスは、3日間（6月19日〜21日）で40万5千人を超える参加者を集め、2015年だけでクラーク郡の経済を3億5千30万ドル押し上げた。[ 210 ]

EDMとフェスティバルの人気により、コーチェラやロラパルーザなど、エレクトロニック音楽とはあまり関係のないマルチジャンルのフェスティバルでも、ラインナップにエレクトロニック系のアーティストが加わるようになった。これらのフェスティバルではEDM専門のステージで演奏することが多いが、デッドマウス、カルヴィン・ハリス、サブトロニクスといった有名アーティストが、それぞれロラパルーザやコーチェラのメインステージでヘッドライナーを務めている。こうしたステージは、通常ロックやオルタナティブ系のアーティストが出演する場所である。[ 211 ] [ 212 ]グローブ・アンド・メール紙のラッセル・スミスは、商業的なフェスティバル業界はレイブ・サブカルチャーの本来の原理とは正反対だと感じており、「高額なチケット、巨大企業スポンサー、粗野なブロカルチャー― スタジアムを巡回する上半身裸の筋肉質な少年たち、彼らの肩車に乗るビキニ姿の小柄な人気少女たち ― 言うまでもなく、感傷的な音楽そのもの」を挙げている。[ 213 ]薬物関連の事件や参加者の行動に関する苦情などが、エレクトロニック音楽イベントに対する地方自治体の否定的な認識や反対につながっている。[ 213 ] [ 214 ]

2014年のウルトラ・ミュージック・フェスティバルで初日に無差別入場者が警備員を踏みつける事件が起きた後、マイアミ市政委員は踏みつけ事件やわいせつな行為、参加者から嫌がらせを受けたというダウンタウン住民の苦情を理由に、同市でのフェスティバル開催を禁止することを検討した。委員は、主催者が警備、薬物使用、参加者のわいせつな行為に対処するという条件で、ウルトラの経済効果がプラスであることを理由にマイアミでの開催継続を許可する投票を行った。[ 215 ] [ 216 ] [ 217 ] 2018年、懸念が続いた後、委員はベイフロント・パークとマイアミのダウンタウンでのフェスティバル開催を禁止する投票を行ったが、[ 218 ] [ 219 ] [ 220 ]その後、イベントをマイアミのバリアー島の1つ、バージニア・キーに移す提案を承認した。[ 221 ]交通問題（バージニア・キーとマイアミ本土を結ぶ交通手段は1つしかない）やその他の問題の影響を受けたフェスティバルの後、ウルトラは合意から撤退し、ベイフロント・パークに戻る合意を交渉した。[ 222 ] [ 223 ]イギリスのジャングルとドラムンベース専門のレコードレーベル、ホスピタル・レコードは、イギリスやEDMの影響力が大きい他の国々のクラブなどで、ホスピタリティ・フェスティバル[ 224 ]を主催している。これらのイベントでは通常、レコード会社に所属するミュージシャンによるコンサートが開催される。

COVID-19の影響

COVID-19パンデミックの影響により、フェスティバルの中止やソーシャルディスタンスの制限が、フェスティバルや音楽業界の経済活動に悪影響を及ぼしています。[ 225 ]フェスティバルは、多数の人が集まるためリスクが高く、健康と安全に関する規制や危機管理・リスクマネジメントへの対応が求められています。その結果、フェスティバルや公演のオンライン配信が当たり前になっています。[ 225 ]

2020年には、COVID-19パンデミックの影響で、すべての大規模EDM音楽フェスティバルが延期または中止された。2020年3月4日、ウルトラマイアミは、州の収容人数規則および郡の安全プロトコルと規制に準拠できなかったため、イベントを中止した最初のエレクトロニックダンスミュージックフェスティバルとなった。[ 226 ] 2020年4月21日、ミシガン州ロスベリーのエレクトリックフォレスト音楽フェスティバルは、健康上の懸念から、2020年6月25日〜27日のイベントを2021年6月に再スケジュールした。[ 227 ] 2020年7月9日、ニューヨーク市長のビル・デブラシオは、9月30日まですべての大規模イベントを一時停止することを決定した。[ 228 ]その結果、レイバーデーウィークエンドにニューヨーク市のランドールズ島で開催されるエレクトリック ズー2020は、2020年のイベントを完全に中止した。

北米最大のダンスミュージックフェスティバル、エレクトリック・デイジー・カーニバル・ラスベガス（EDC）は、2020年5月15〜17日に開催される予定でした。4月に、EDCは5月のイベントを2020年10月2〜4日に延期し、その後、8月2日にEDCラスベガス2020は正式にキャンセルされると発表しました。 [ 229 ]代わりに、EDCのCEOであるパスクアーレ・ロテラは、2021年5月21〜23日にEDCの25周年を祝うことを発表しました。[ 230 ] 2021年4月9日、EDCは2021年5月に開催されるイベントのラインナップとCOVID-19安全プロトコルをまだ発表していませんでした。[ 231 ] 2021年4月20日、ロテラはフェスティバルを2021年10月22〜24日に延期しました。[ 232 ]

これらのイベントのキャンセルは、音楽業界とイベントを運営する企業に経済的な打撃を与えた。EDC 2020は当初、初回イベントのチケット20万枚が完売したが、新しい日程に参加できない人には全額払い戻しを提供した。[ 233 ] Electric Zooは、一般入場券には50ドル、VIPチケットには10​​0ドルの追加料金を出して、フェスティバル会場内でのグッズ購入や食事に使えるようにすることで、顧客がチケットを保持するインセンティブを設けた。[ 228 ]  ほとんどの音楽フェスティバル会社は、参加できなかった人にチケットを次のイベントに繰り越すか全額払い戻しすることを申し出たが、最終的にはCOVID-19の不確実性により多くの顧客を失った。[ 225 ]

娯楽目的の薬物使用との関連

ダンスミュージックは、娯楽目的の薬物使用と長きにわたって関連付けられており[ 234 ] 、特に「クラブドラッグ」という名称で分類される様々な薬物と関連している。ラッセル・スミスは、ドラッグと音楽サブカルチャーの関連はエレクトロニックミュージックに限ったことではないと指摘し、サイケデリックロックとLSD、ディスコミュージックとコカイン、パンクミュージックとヘロインなど、特定のドラッグと関連付けられた音楽ジャンルの過去の例を挙げている[ 213 ]。

上の写真はエクスタシーという薬物の一般的な外観ですが、さまざまな形や形状のものがあります。

メチレンジオキシメタンフェタミン（MDMA）は、エクスタシー、E、モリーとも呼ばれ、レイブ文化において最も好まれる薬物とみなされることが多く、クラブ、フェスティバル、ハウスパーティーでも使用されています。[ 235 ]レイブの雰囲気の中では、音楽や照明による感覚的効果がMDMAと高い相乗効果を発揮することがよくあります。MDMAの幻覚作用であるアンフェタミンのような性質は、「レイブ」の場においてユーザーを惹きつける様々な理由があります。MDMAの抑制緩和効果による集団的な共感感覚を楽しむユーザーもいれば、刺激効果をパーティーの燃料として利用するユーザーもいます。[ 236 ]パラメトキシアンフェタミン（4-MA）は、ピンクエクスタシー、PMA、「デス」、または「ドクター・デス」とも呼ばれる薬物です。MDMAに似ていますが、効果発現までに最大1時間かかる場合があり、高体温や臓器不全を引き起こす可能性があります。PMAを服用した人は、MDMAと間違われることがよくあります。[ 237 ] [ 238 ]

MDMAは幻覚剤と併用されることが知られています。より一般的な組み合わせとしては、MDMAとLSD、MDMAとDMT、MDMAとシロシビンマッシュルーム、そして解離性薬物であるケタミンとの併用などが挙げられます。多くのユーザーは、 MDMAの効果を体感しながら清涼感を得るため、メントール入りの製品を使用しています。例としては、メントール入りタバコ、ヴィックス・ヴェポラップ、ナイキール[ 239 ]、トローチなどがあります。

レイブなどのパーティーでは、非医療用ケタミンの使用が増加している。 [ 240 ]しかし、クラブドラッグとしてのケタミンの出現は、高用量での麻酔作用（ろれつが回らない、身動きが取れなくなるなど）のため、他のクラブドラッグ（例：MDMA）とは異なります。[ 241 ]さらに、ケタミンが「エクスタシー」として販売されているという報告もあります。[ 242 ]クラブ後の体験の一環としてケタミンが使用されることも記録されています。[ 243 ]香港では、1990年代末までにダンスカルチャーにおけるケタミンの急速な台頭が見られました。[ 241 ] 1999年に米国で連邦政府の規制物質となる前は、ケタミンは転用された医薬品として、または国内の化学品供給会社から大量に販売された純粋な粉末として入手可能でした。[ 244 ]現在、医療目的以外で転用されているケタミンの多くは中国とインドで生産されています。[ 244 ]

主要なエレクトロニックミュージックのコンサートやフェスティバルでは、薬物使用に起因すると思われる死亡事故が多数発生しています。ロサンゼルス・メモリアル・コロシアムは、2010年のエレクトリック・デイジー・カーニバルで未成年の参加者が「メチレンジオキシメタンフェタミン中毒による虚血性脳症の合併症」で死亡したことを受け、インソムニアック・イベントをブラックリストに登録しました。その結果、イベントは翌年ラスベガスに移転されました。[ 245 ] [ 206 ] [ 246 ] [ 247 ] [ 248 ]ニューヨーク市で行われたエレクトリック・ズー2013とマレーシアのクアラルンプールで開催されたフューチャー・ミュージック・フェスティバル・アジア2014で薬物関連の死亡事故が発生したため、両イベントの最終日が中止された。[ 247 ] [ 249 ]一方、ライフ・イン・カラーは、この事件とインドネシアのジャカルタで開催されたA State of Trance 650コンサートで発生したその他の薬物関連の死亡事故を懸念して、マレーシアで予定されていたイベントを中止した。[ 250 ] [ 251 ] [ 252 ]

2016年9月、アルゼンチンのブエノスアイレス市は、2016年4月に同市で開催されたタイムワープ・フェスティバルで薬物関連の死亡者5名、負傷者4名が発生したことを受けて、今後の法律制定を待って、すべてのエレクトロニック音楽イベントを禁止した。この禁止令により、エレクトロニックバンドのクラフトヴェルクは、フェスティバルとコンサートの間に相違点があると主張したにもかかわらず、同市で予定されていたコンサートをキャンセルせざるを得なくなった。[ 253 ] [ 254 ]

業界賞

組織賞年注記
ブリット・アワード英国ダンスアクト1994年～現在（2005年から2021年まで休止）英国のブリット・アワードは1994年に「ブリティッシュ・ダンス・アクト」部門を導入し、M・ピープルが初受賞しました。ダンス・アクトは以前から同アワードに選出されていましたが、ダンスミュージックが独立した部門を設けたのはこの年が初めてでした。
グラミー賞最優秀ダンス/エレクトロニック・レコーディング1998年～現在最近ではジャスティス＆テーム・インパラが「ネバーエンダー」で（2024年）受賞した。[ 255 ]
最優秀ダンス/エレクトロニックミュージックアルバム2005年～現在最近ではチャーリー・エックスシーエックスがブラットで受賞（2024年）しました。[ 255 ]
DJマグトップ100DJ投票1991年～現在英国のダンスミュージック雑誌『DJ Mag』は、毎年世界のトップ100DJのリストを発表しています。1991年から1996年までは、同誌の記者によるトップ100DJランキングが発表されていましたが、1997年には一般投票に移行しました。2024年版の現在の1位はマーティン・ギャリックスです。[ 256 ]
DJアワードベストDJ賞1998年～現在毎年スペインのイビサ島で開催される、11のカテゴリーで国際的なDJをノミネートし表彰する唯一の世界的なDJアワードイベントで、受賞者は一般投票によって選ばれ[ 257 ]、最も重要なものの1つです。[ 258 ]
ウィンター・ミュージック・カンファレンス（WMC）IDMA: インターナショナル ダンス ミュージック アワード1998年～現在[ 259 ]
プロジェクトXマガジンエレクトロニック・ダンス・ミュージック・アワード1995プロジェクトX誌の読者投票により、第1回（そして唯一）の「エレクトロニック・ダンス・ミュージック・アワード」の受賞者が決定した。[ 260 ]同誌とナーバス・レコードが主催した式典では、ウィンクス、ザ・フューチャー・サウンド・オブ・ロンドン、モビー、ジュニア・バスケス、ダニー・テナグリア、DJケオキ、トライバル・アメリカ・レコード、ムーンシャイン・レコードに賞の像が授与された。[ 260 ]
アメリカン・ミュージック・アワード好きなダンス/エレクトロニックアーティスト2012年～現在最近ではレディー・ガガが受賞（2025年）しました。[ 261 ]
ワールドミュージックアワード好きなエレクトロニックダンスミュージックアーティスト2006年～現在（休止中）最近ではカルヴィン・ハリスが（2014年）受賞した。[ 262 ]

参照

（アルファベット順）

注記

  1. ^フィケンチャー（2000） 5ページは、アメリカのポストディスコミュージックと関連したアンダーグラウンド・ダンスミュージックの定義について論じる中で、次のように述べている。「『アンダーグラウンド』という接頭辞は、関連する音楽の種類とその文化的文脈が、知識のある少数の人々にしか知られていないことを説明するだけではない。アンダーグラウンドという言葉は、この音楽の社会学的な機能も指し示しており、意味と継続性を持つために、主流社会、マスメディア、そして一般的な道徳的・美的規範や価値観を押し付ける権力を持つ人々から、かなり遠ざけられている音楽の一種として位置づけている。」
  2. ^「デトロイトの主要なクラブではテクノが聴けるようになったものの、地元ではこの音楽を支持する姿勢が著しく鈍っている。テクノサウンドが最も支持されているのは、パワープラント（シカゴ）、ザ・ワールド（ニューヨーク）、ザ・ハシエンダ（マンチェスター）、ロック・シティ（ノッティンガム）、ダウンビート（リーズ）といったクラブだ。皮肉なことに、このサウンドを真に支持していたデトロイトのクラブは、ヴィサージという巡回型のパーティーナイトクラブだけで、その名前はイギリス最古のニューロマンティック・グループの一つと非ロマンチックな形で同じだった。」 [ 83 ]

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参考文献

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